... Cannes 2011!

Damas y caballeros, el festival de cine más importante del año ya ha arrancado, y lo ha hecho presentando una selección de películas para su Sección Oficial que promete mucho. Pero antes de analizar sus elecciones, una palabra sobre el cartel de este año: maravilloso. Hacía tiempo que no veía un cartel del Festival de Cannes tan bueno, usando una preciosa foto de una Faye Dunaway rebosante de carisma y belleza que nos transporta inmediatamente al cine de los setenta (probablemente la mejor década para la Historia del Cine). Espero que este cartel sea un preludio de películas a su altura. Y puede que no andemos desencaminados, tal y como se presenta la Sección Oficial. De las veinte películas a concurso, vamos a hablar de las que generan mayor expectación, y a la vez es una manera de anunciar algunas de las películas más interesantes y esperadas de este año. Pasen y vean:

Sleeping Beauty, de Julia Leigh

Primera película de Julia Leigh, aclamada escritora, viene amparada por la que probablemente sea la más grande de las directoras, Jane Campion. Su trailer promete una mezcla del cine de ésta (véase profundizar en los sentimientos, la sensualidad y sexualidad de la mujer), con ecos del de Egoyan (véase morbo a raudales y dotar de clase y elegancia a lo que solemos concebir como sórdido). Definida como un cuento de hadas erótico, nos presenta a una joven que cada noche es drogada hasta perder el conocimiento, y en una habitación diversos hombres realizan todo tipo de actos con ella, de los que no se acuerda al día siguiente. Todo envuelto en un halo misterioso y oscuro. Esperemos, y así lo parece que nos devuelva la fe en su protagonista, Emily Browning, tras el varapalo de Sucker Punch.

Posibilidades de premio: la Palma de Oro es prácticamente imposible, tanto por lo que deja ver el trailer como porque lo de ópera prima juega en su contra. Tal vez, si gusta mucho una distinción al guión o incluso a la Browning... Pero lo segundo lo dudo. No obstante, la película tiene una pinta estupenda y no conviene olvidarla. Es de las que más me atraen, y para haber sido seleccionada, algo tiene que tener. Puede que el Premio del Jurado sí que sea suyo.

Le Gamin au Vélo. de los hermanos Dardenne.

Los Dardenne son sin duda alguna uno de los platos fuertes que nos depara la Croissette. Considerados por muchos los mejores directores en activo, han presentado en Cannes todas sus películas y ninguna se ha ido de vacío. Prácticamente nadie más en el mundo puede alardear de tener dos Palmas de Oro. Y nos traen su nueva película. La expectación no puede ser mayor. Parece centrarse en la historia de un niño que fue abandonado temporalmente por su padre en un centro de acogida, y cómo el niño inicia su búsqueda. Una mujer que regenta una peluquería pasa con él los fines de semana. El trailer pinta muy, muy bien, parece muy emotivo, y un cambio en las películas de los Dardenne. Más tierna, más luminosa.

Posibilidades de premio: muchísimas. Mínimo un premio gordo. Yo apostaría que uno de los tres mayores reconocimientos está cantado. Depende de lo que le apetezca hacer Historia al festival, podrían ganar su tercera Palma. Y no descartaría posibilidades para Cécile de France, visto que las representaciones francesas del año no son muy llamativas a primera vista. Pero por otra parte parece que la estrella de la función va a ser el niño. O puedo equivocarme de lleno, que no guste el cambio de aires de los directores y sea tildada de obra menor. Pero no lo creo. Sería su primera vez, y lo dicho, el trailer me tiene vendido.

This Must Be the Place, de Paolo Sorrentino.

Nueva película de Sorrentino, quien se llevó el Gran Premio del Festival en 2008 con la muy interesante Il Divo. Cuenta la historia de una estrella del rock retirada que, tras conocer que su padre fue humillado y torturado por un oficial nazi en Auschwitz, decide encontrarse con el torturador y consumar los deseos de venganza del padre. La música corre a cargo de David Byrne, líder de Talking Heads. Sean Penn protagoniza, pero no cantará las canciones. Le acompaña Frances McDormand.

Posibilidades de premio: En un primer golpe de vista, con Sean Penn apareciendo en dos películas de la Sección Oficial y su gran amigo De Niro siendo el presidente del Jurado, parece evidente que el premio al Mejor Actor irá para Penn Y siendo en ésta protagonista absoluto (con radical cambio de imagen incluido), intuyo más posibilidades para esta interpretación. Pero Cannes no es los Oscar, y no creo que se queden solo con el cambio de imagen. La historia parece bastante "imán para premios", Holocausto incluido, lo que me hace bostezar enormemente, a lo que hay que añadir profunda y compleja relación paternofilial y posible venganza (todo parece muy del gusto de De Niro), por lo que, si no cae en lugares comunes podría aspirar a galardones importantes para le película... El cartel me ha encantado, me pide a gritos que me calle y borre lo de "lugares comunes" y lo de los bostezos, pues parece anunciar una película diferente. Ya veremos, tengo curiosidad. Penn podría asegurarse plaza en los Oscar según la recepción de la crítica (el papel es 100% carne de Oscar).  

Drive, de Nicolas Winding Refn

Nueva película del director de la genial Bronson, nos presenta a un especialista de escenas de acción en películas de Hollywood que por la noche conduce en atracos. Pero todo cambia cuando se enamora de la novia de uno de los atracadores. 

Posibilidades de premios: en un principio inexistentes, la historia huele a normalita por los cuatro costados, parece que pasará como una película de acción de gran factura pero poco más. Esto, repito, en un principio, pues no se ve muy del gusto de Cannes. Pero el director ha demostrado saber muy bien lo que hace tras las cámaras, e idear muy personales puestas en escena. Por una parte él llama mi atención, y me hace pensar que aún podemos creer en la acción. Pero vamos, aunque fuera muy buena, no creo que gane premios en el festival. Y por otra parte...

Sí. Será genial. La mejor película en años. No he dicho nada. Pero hablando en serio, Gosling no nos ha dado ni un motivo para desconfiar de sus elecciones, caracterizadas porque suelen ser muy inteligentes. Además lo acompañan dos, perdón cuatro mujeres que deben ser tenidas muy en cuenta: Carey Mulligan y Christina Hendricks. Sí, han contado bien.

Habemus Papam, de Nanni Moretti

Odio a Nanni Moretti. No lo aguanto, pero su presencia en los festivales desde que arrasara en este mismo con su La Habitación del Hijo, siempre es digna de mención. Y encima atención a la historia que me recuerda a cierta ganadora del Oscar por la que tengo mucho aprecio: un cardenal es elegido Papa contra su voluntad. Ante la situación comienza a ver a un psiquiatra (encarnado cómo no por Moretti, en un nuevo arranque de humildad) que le ayudará a superar su miedo. Se recomienda llevar bolsas para el mareo, para no manchar la sala de cine.

Posibilidades de premio: Gracias a Dios (nunca mejor dicho), me atrevería a decir que apenas tiene. La crítica italiana (donde ya se ha estrenado) no la ha machacado, pero se deja entrever la impresión de obra menor. Consideran a Moretti un director muy creativo, y que en esta película da de nuevo muestras de serlo, pero en general dicen que es una película inofensiva, no presenta crítica alguna, y que su tramo final resulta decepcionante. Y dudo que haya a alguien que a estas alturas no le irrite Moretti.

Harakiri: Death of a Samurai, de Takashi Miike

Nueva película de Takashi Miike, director de las geniales Audition y Llamada Perdida (la original, por supuesto), que ahora se atreve con un remake de la obra maestra de Kobayashi, Premio Especial del Jurado en Cannes 1963. El resultado se antoja imprevisible pero...

Posibilidades de premio: ... No veo al Festival de Cannes premiando un remake. Al menos sabemos que la primera gustó en Cannes. Pero eso también en un principio juega en su contra. Miike promete no dejar indiferente, pero no creo que su nombre figure en el palmarés.

 Le Havre, de Aki Kaurismäki.

Kaurismäki nos traerá a Cannes la amistad de un anciano limpiabotas con un polizón que desembarca en el muelle de Le Havre, contada a modo de tragicomedia. Soy muy fan del sentido del humor repleto de ingenio y crítica de las películas de Kaurismäki, así como su manera de abordar el cine social, así que una nueva obra suya es recibida, al menos por mí, con los brazos abiertos.

Posibilidades de premio: ando despistado con ésta, no me atrevo a vaticinar. Si gusta, podría ser una buena elección a director, o tal vez tenga posibilidades a actor, aunque para esa categoría haya muchas opciones posibles.

L´Apollonide (Souvenirs de la maison close), de Bertrand Bonello

Las primeras imágenes de la nueva película de Bonello, director de la muy interesante El Pornógrafo, resultan inquietantes y de gran belleza estética para recrear un burdel de comienzos de siglo XX en el que una prostituta es desfigurada y marcada con una tétrica sonrisa. A partir de ahí empezamos a conocer más de la vida en el lupanar y de quienes lo habitan. Al parecer, el mundo exterior al burdel es en la película inexistente, lo que la hace enormemente atractiva, y con papeletas a convertirse en una de mis favoritas, una historia así es perfecta para el talento de Bonello.

Posibilidades de premios: moderadas, pero tengo la intuición de que será bien recibida, o como mínimo con polémica. De las tres francesas es la que me resulta más interesante, la de Le Besco también pinta muy bien y puede ser más del agrado del Jurado sobre el papel, aunque con esa intuyo un fiasco. No la veo llevándose el gordo, pero sí alguna mención especial, quién sabe.

La Piel que Habito, de Pedro Almodóvar

                                                  

Otra de las grandes atracciones estrella del festival. No puedo estar más ansioso. Almodóvar habla de coqueteos con el género del terror, con algo del noir que tanto le gusta, y parece que se trata de un drama brutal y oscuro. Cada foto que se descubre suscita más interés que la anterior, tiene pinta de intensa y subversiva, lo cual le va de perlas al manchego. Basada en la novela Tarántula muy libremente, me resisto a desvelar detalles del argumento para quien desee ir para ser sorprendido. Pero todo pinta muy misterioso e interesante.

Posibilidades de premios: conforme voy sabiendo más de la película más tengo la certeza de que se va a tratar de una de las obras maestras del director. El Almodóvar más serio es el que suele recibir recepción más tibia, y más sin un elenco coral de mujeres. Pero mirad Hable con Ella.Probablemente el mayor éxito de su carrera, y más entre los franceses. La reunión con Banderas genera mucha expectación y la intensidad y truculencia de la historia en manos de Almodóvar puede ser apasionante. Y se empieza a pensar en Almodóvar como en alguien a quien se le debe una Palma de Oro. Va a ser o todo o nada. Y creo que se llevará uno de los más grandes.Yo apuesto a que gusta mucho. Y se dice que el personaje de Anaya (a quien me muero por ver en manos de Almodóvar) tiene mucha enjundia. Pero Cannes este año está abarrotado de películas muy prometedoras...

Melancholia, de Lars von Trier

                                    

El fin del mundo se acerca: un planeta diez veces más grande que la Tierra de muy significativo nombre, Melancholia, va a chocar contra el nuestro. Mientras, nuestra protagonista va a casarse, le entran dudas sobre su felicidad y el espectador irá descubriendo aspectos de la relación con su hermana, cada vez más distante, y cómo cada una de ellas afronta el fin del mundo. La incursión de von Trier al cine apocalíptico de ciencia ficción no puede tener mejor pinta. El trailer nos promete una película con todos los elementos que esperamos del autor, totalmente personal, y con unas Kirsten Dunst y Charlotte Gainsbourg en estado de de gracia. La melancolía romántica que parece invadir a la protagonista y que impregna muchos de sus fotogramas (con ese homenaje a la Ofelia muerta de Millais), anuncia momentos de impactante belleza, así como interesantes reflexiones sin precedentes en el cine.

Posibilidades de premio: Si no les dura el berrinche con Anticristo y la película da lo que promete, tiene muchas posibilidades de figurar en el palmarés final. Lo que está claro es que va a ser sin duda alguna uno de los mayores acontecimientos de este año en la Croissette. Y por supuesto, como siempre con von Trier, muchas posibilidades para su nueva "chica von Trier", Kirsten Dunst, que parece estar estupenda en la película.

We Need to Talk About Kevin, de Lynne Ramsay

                                     

Película que, a través de una serie de flashbacks y de las visitas de la madre a la cárcel, analiza la relación entre la madre y su hijo, que ha perpetrado un tiroteo en su instituto, así como reflexiona sobre la culpabilidad e implicación de la propia madre en el suceso. Protagonizan Tilda Swinton y John C. Reilly (el cual se suma una nueva esposa en la ficción mucho más guapa que él. Y van...), como padres del niño culpable de la desgracia. Dirige Lynne Ramsay, directora de dos aclamadas películas (una de ellas Movern Callar), ambas inéditas en España. Qué alegría. Esperemos que con esta se rompa la tradición de ignorarla. 

Posibilidades de premio: es una de las películas americanas que más posibilidades tiene de llevarse algo a casa, sobre todo teniendo en cuenta la presencia americana del Jurado, además reflexiona sobre la violencia como desencadenante de una frustrante relación maternofilial, lo que atrae desde el principio. Por si fuera poco la madre no es otra que la extraordinaria Tilda Swinton, una de las mejores actrices de nuestro tiempo, que probablemente cautivará a todos los mortales con su nueva creación y será favorita inmediata para llevarse el Premio a la Mejor Actriz, añadiéndolo a su premio en Venecia, a su Oscar... Pero Cannes depara muchas sorpresas...

The Tree of Life, de Terrence Malick

Y con todos ustedes, la película de Cannes de este año. Vuelta al cine de Terrence Malick, el mayor poeta visual que existe, desde que en 2005 dirigiera El Nuevo Mundo. Los detalles conocidos sobre la trama son mínimos, de sobras es conocida la tendencia hermética del cine de Malick (algo que debería suceder más a menudo), lo que dota a sus películas de aún mayor expectación; se sabe que parece una película ambientada en los años cincuenta para después en el mundo contemporáneo reflexionar sobre nuestro sentido en el mundo. Huele a obra maestra por todos los lados. Y nos devuelve a uno de los mejores y más fascinantes directores "en activo".

Posibilidades de premio: Todas. Se posiciona como ganadora virtual de la Palma de Oro. Quien la ha visto habla de ella como una de esas películas que cambian la Historia del Cine. Pero Malick es muy propenso a la división de opiniones, y si a ello le sumamos la nula presencia americana en Palmas de Oro de los últmos años, incluso cuando la película les encanta, puede que se vaya a casa con las manos vacías. Pero resulta bastante improbable.

Y éstas son doce de las veinte películas a competición de un festival que pinta sumamente interesante y que promete dar muy buen cine, con algunas de las películas más esperadas del año. Personalmente von Trier, Almodóvar, los Dardenne y Malick son a quienes espero con más ansia. Para saber más tendremos que esperar al once de mayo, y entonces empezarán a conocerse las primeras reacciones. Por otro lado ¿qué nos deparan las otras ocho (entre las que se encuentra la nueva de Nuri Bilge Ceylan)? ¿Cómo serán recibidas? Yo necesito estar en Cannes. Pero no se preocupen, que seguiremos informando. Se sabe que hay tres películas más previstas para figurar en la Sección Oficial, y parece que están esperando a que sus directores acaben sus trabajos a tiempo. Entre los rumores, los más jugosos serían encontrarnos con la nueva de Haneke, Amour, que lo reunirá de nuevo con su musa Isabelle Huppert y seguro tratará un tema muy alegre y positivo; The Grand Master, de Wong Kar Wai, lo que sería una de las mejores noticias de la Historia; o Shame, de Steve McQueen, que ya nos conmocionó a todos con Hunger, que le valió la Cámera d´Or en 2008 y ahora trae una historia sobre adictos al sexo con Michael Fassbender y Carey Mulligan. Estas tres me encantaría a mí que figuraran, lo que veo muy difícil, pero son las que más echo de menos en la Sección Oficial.

El Festival lo inaugurará, fuera de concurso la nueva película de Woody Allen, Medianoche en París, que si hacemos caso a su artístico poster...

...y a una de sus primeras y muy monetianas imágenes...

... parece que sabrá sacarle partido a la capital parisina, aunque por el trailer parece que estemos ante más de lo mismo, la visión de la ciudad parezca más bien superficial y la historia con poca sustancia. Las presencias en el film de las muy adorables e impresionantes actrices, Rachel McAddams y Marion Cotillard (a pesar de que la inclusión de esta última sea un pelín obvia) son grandes alicientes para acercarse a verla cuando se estrene (en nuestro país, este mayo). De todos modos, yo voy a ver cada año la película de turno de Allen ya casi por inercia y costumbre, por muy mediocres que acaben siendo últimamente. Cabe destacar que fuera de concurso, aparte de los piratas de Rob Marshall con nuestra Penélope y de la segunda parte de la muy simpática Kung Fu Panda, también se encuentra The Beaver, película de Jodie Foster como directora en la que también tiene un pequeño papel y que protagoniza su amigo Mel Gibson, encarnando a un hombre que comienza a expresarse a través de la marioneta de un castor...

... Y que intentará que el público se relacione con un actor que en los últimos años ha sido más famoso por sus meteduras de pata que por sus aportaciones al cine. Lástima, pues es uno de los intérpretes más carsimáticos de Hollywood, y las primeras palabras sobre la película hablan del gran trabajo ante las cámaras de Gibson. Veremos que piensan en Cannes.

Finalmente, antes de despedirme, os informo de dos películas más que participan en la sección Un Certain Regard que darán que hablar. Por un lado la nueva película de van Sant, Restless, que parece desgraciadamente del van Sant más cercano a Descubriendo a Forrester que al de Mi Idaho privado, Todo por un Sueño o Drugstore Cowboy. Y por supuesto ni rastro de su cine más experimental a lo Last Days o Paraonid Park. A cambio parece garantizarnos grandes dosis de almíbar. Ojo al cartel, que no pinta tan mal:

Muy Nouvelle Vague, lo que es grandísima noticia, pero lo que está claro es que o el cartel o el trailer engañan, pues éste resulta de lo más ñoño, con fantasmita incluido. Y aunque la Wasikovska ha demostrado más veces ser buena actriz que mala, a mí aún me duran los estertores de su Alicia en el País de las Maravillas. Ya veremos.

                                     

La otra película, esta sí que sumamente interesante, de Un Certain Regard, que cuanto más sé de ella más me atrae es la nueva sensación del pasado Sundance, que como ocurrió hace dos años con Precious, o el pasado año con Blue Valentine, también será presentada en Cannes. Se trata de Martha Macy May Marlene, película que habla de una chica que se refuga en casa de su hermana huyendo de una secta a la que pertenecía. En Sundance encantó, el argumento es cuanto menos interesante. La protagonista es una hermana Olsen (que no una de las gemelas), de la que se ha hablado maravillas de su trabajo en la peli, el excepcional y camaleónico John Hawkes encarna al líder de la secta y ¿os he dicho ya que sale...

...uno de los hombres más guapos del planeta? Pero eso es circunstancial, aquí estamos para hablar de arte y temas elevados... Pero como no se me ocurre mejor manera de acabar la entrada que con una foto de Hugh Dancy, tal vez sea lo mejor dejarlo aquí. Pero volveré con noticias frescas. Cannes nos espera, y este año promete.

... Anticristo!

La naturaleza es la Iglesia de Satán

Y de la poética naturaleza de Bright Star pasamos a la inmensa contribución que el maestro von Trier hizo al género del terror el mismo año con su última obra maestra: Anticristo, una película que entre muchísimas otras cosas, nos muestra, al igual que la película de Campion, una visión poética hasta el extremo de la naturaleza. El bosque de von Trier, Edén, es un magistral y apasionado homenaje a la poesía simbolista de Rimbaud y al tenebroso romanticismo de Holderlin; y como en Bright Star, la naturaleza en todo momento es reflejo y parte activa de la psique de sus protagonistas, con la diferencia de que mientras en aquella eso era sinónimo del amor más intenso e inabarcable, en esta lo es del caos, la perturbación y los miedos más íntimos e inconfesables. En la primera estamos ante un idílico vergel, en la que ahora nos ocupa el bosque se encuentra en estado de alteración, el Edén se revoluciona al sentir la presencia de Ella, nuestra protagonista y reina el terror, la locura y...

Es el llanto de todo lo que muere

...El caos. Nos encontramos ante una naturaleza simbólica, muy evocadora y sugerente, y por ello aunque resulte inquietante, de una poderosa belleza. Las bellotas cayendo, el viento moviendo las hojas de los árboles y los tallos de las plantas (para lo que von Trier hace uso de las cámaras Phantom, regalándonos unas imágenes fascinantes), el árbol en putrefacción y sobre todo, esos tres animales imposibles de olvidar una vez se ha visto la película. El ciervo, el zorro y el cuervo, alegorías del desconsuelo, el dolor y la desesperación, las distintas fases del duelo que atraviesa una persona ante la pérdida, convertidos aquí en "los tres mendigos" y recuerdo constante, a través de unas imágenes aterradoras, de la nada complaciente visión de la mujer ante la maternidad, la culpabilidad y consiguiente autocastigo que estos pensamientos le provocan, que von Trier plasma en su película.Así, la naturaleza, es el reflejo del terror de esta mujer, de la pesadilla interior que está viviendo, que es tan inmensa que afecta al resto de las especies, al entorno en el que habita. Pero a su vez la alteración de la naturaleza parece deberse a la presencia intrusa de quien introdujo el pecado al mundo. La película nos muestra el retorno de la mujer al Edén, y el caos que ello desencadena.

                                  

Una mujer que llora es una mujer que conspira

Y así llegamos a uno de los centros de la polémica desatada por la película: la supuesta misoginia. En un principio creo que debería distinguirse entre lo que cuenta una historia de ficción y lo que realmente se quiere transmitir. Porque es cierto que estamos ante una película que reflexiona sobre la condición de la mujer como esencia del mal a lo largo de la Historia. Pero lanzar conclusiones precipitadas en este caso sería un error. Von Trier no va a darnos una respuesta que nos satisfaga a lo inexplicable. Nos la va a mostrar a través de sus simbólicas y aterradoras imágenes, pero el resto está en el espectador. Personalmente considero que realmente estamos ante una reflexión sobre cómo el hombre mira a la mujer sin entenderla. Para el hombre la mujer es un misterio que no ha sabido descifrar y que le aterra. Y la mujer, en este caso ha hecho suya la condición terrorífica que le ha dado el hombre. La primera mitad de la película la conforman un sinfín de intentos de acercamientos frustrados de Él para entender todo lo que ocurre en el interior de Ella. Y lo que ocurre en Ella parece ser algo que da más miedo al hombre y a la propia mujer históricamente sometida al hombre de lo que se pueda imaginar: la diferenciación entre maternidad y feminidad. De la misma manera que la naturaleza da frutos, la naturaleza de la mujer parece ir íntimamente relacionada con engendrar. Y lo que aterra a la pareja protagonista, lo que revoluciona la naturaleza es la supuesta antinaturalidad del descubrimiento de lo contrario: el goce independiente de la mujer, que ella misma no sabe cómo encauzar. El Anticristo del hombre, y que la película adorna con alusiones bíblicas y las ya mencionadas imágenes simbólicas, es el descubrimiento de la feminidad, porque es algo que no entiende, y que se la ha ocultado a la propia mujer, en la película aterrada por ver en su propio goce la fuente del mal, del caos. Él la analiza, desde su racionalidad, pero desde su condición de hombre no alcanza a ver el interior de la mujer, que mueve desde la emocionalidad, que experimenta en su cuerpo el terror de experimentar lo que se le ha negado: se le prohíbe su feminidad y se le da a cambio la maternidad. Y la reacción de la mujer hacia el hombre (haciéndole callar su cháchara psicológica de la mejor manera) será inolvidable, sí, y brutal, pero parecemos olvidar cómo acaba solucionando el problema el hombre SPOILER aniquilando aquello que no entiende y puede a,emazarle, volviendo a los tiempos de las brujas y las hogueras FIN SPOILER

                                   

Es difícil hablar de esta película en toda su dimensión. Siempre parece que hay algo que se nos escapa, podemos captar su esencia, percibir parte de su mensaje, pero hay algo en ella que nos atrapa e inquieta, que nos cuestiona, nos provoca. Von Trier no solo subvierte el terror sino que revolucina el melodrama desde el germen del género femenino por excelencia: el psicoanálisis feudiano, el papel de la familia, de la mujer, los roles sociales asignados, la maternidad, la sexualidad y el amor como transferencia psicológica. Es una película sobre lo que subyace, los tormentos interiores, el inconsciente (representado con ese portentoso plano en el interior del jarrón, que muestran los tallos mohosos de las flores). Así, desde su prólogo de incomparable belleza a su revelador epílogo, puede que estemos ante su obra más fascinante e inteligente, más moderna y trascendente, y desde luego la más incomprendida.

                          

...Bright Star!

                 

I thought my heart was breaking

Bright Star, la última película de Jane Campion, es una preciosa oda al amor recitada con tanta honestidad y de forma tan valiente que solo intentar hablar de ella, o explicarla es una forma más de mancillarla. Campion nos devuelve la fe en el amor más puro e intenso, el amor que nos hace ver el mundo como el lugar más bello donde uno puede habitar, el que nos hace querer todo y a todos, el que nos hace apreciar cada detalle, cada sonido... Pero que a la vez es el que nos tiene en cama sin dormir, el que nos hace vagar lánguidos, taciturnos y melancólicos, el que nos hace odiar nuestra vida y nuestro destino... Ese amor intenso, estúpido, que no conoce recatos ni eufemismos. El que nos da la vida, el que nos hace arder. Jane Campion nos recuerda (e incluso lo pone en boca del propio Keats) lo sagrado de los afectos de nuestro corazón...

I wish we were butterflies and liv´d but three summer days

... Y lo hace mediante la clase de poesía más hermosa y apasionante que ha dado nunca el cine.  Porque Jane Campion en su peculiar "película sobre Keats", captura todo el R/romanticismo que ese nombre contiene en cada fotograma. La película en sí es un poema de Keats, abarcando toda su fascinación por la naturaleza, el canto a la intensa belleza del instante efímero. Efímero como lo fue la vida del propio Keats, efímero como lo fue su historia de amor con Fanny Brawne, como lo son las flores, las mariposas, el viento que mueve una cortina o la luz del sol entrando por una ventana. La película es una historia de amor contada por dos Románticos enamorados, que por lo tanto ven el mundo con toda su belleza, con su delicadeza y fragilidad, y así nos lo hacen ver a nosotros. La naturaleza es un personaje más en Bright Star, un personaje que como en las bucólicas renacentistas, es partícipe del amor de sus personajes principales. Y cada plano contiene tanta belleza... La película se ve conteniendo el aliento, y deseando que nunca acabe, como si al menor movimiento fuéramos a ser responsables del fin de tanta perfección, como si fuéramos a ahuyentar a las mariposas. Pero la clase de poesía no termina allí. La película es en gran parte tan maravillosa por el amor hacia la poesía que transmite, mediante el recitado de obras de Keats durante la historia, momentos que en ningún momento resultan impostados o almibarados. Lo que consiguen Campion, Cornish y Wishaw (estos dos últimos en unas actuaciones simplemente sublimes) es demostrar a los escépticos que queden en este mundo, que el arte es el único vehículo que puede llegar a expresar con precisión sentimientos tan elevados, tan puros e intensos. El arte en general y la poesía en particular como la sublimación de la emoción pura.

Do I wake or sleep?

Así, con Bright Star estamos ante la comunión armónica y casi mística del arte y el amor. El Arte como ofrenda al Amor, sentimiento que nos engrandece, nos hace mejores, nos ilumina. Es el Amor lo que genera la Belleza a nuestro alrededor, los griegos sabían lo que hacían al nombrar a Afrodita como diosa de ambos: van unidos. Y en estos tiempos cínicos, se agradece un canto a la fascinación que nos produce la mirada del otro, a la magia del contacto de dos manos que se unen, a la frescura y honestidad de un sentimiento que florece, a la melancolía que nos invade cuando sufrimos la ausencia, a la reverencia que merece un primer beso de auténtico amor... y la que merecen los versos que tratan de inmortalizarlo. Me gustaría escribir mucho más sobre las infinitas maravillas de esta obra de arte, pero creo que sus imágenes hablan mucho mejor que yo , así que os dejo con un puñado de ellas, auténticas preciosidades:

... Caravaggio. Dormición de la Virgen

Este cuadro causó un enorme escándalo y un fuerte rechazo en su época. Se debió a la presentación de la virgen totalmente abandonada en su muerte, con apariencia (como es habitual en los personajes religiosos de Caravaggio) de una mujer de la calle, parecía como si no se mostrara respeto a la grandeza de la virgen por mostrarla como una cualquiera. Fue muy criticado que se la presentara descalza, considerado también como vulgar, una falta de respeto a su figura, una negación a su pureza. Pero lo que conmocionó tanto fue que en todo el cuadro no hay una sola muestra de esperanza, de optimismo. Ante la dormición de la Virgen, a la que se le regala la más dulce de las muertes, un eterno descanso, la paz absoluta; todo a su alrededor es pesar y desamparo, son gestos trágicos envueltos en la eterna oscuridad del pintor italiano.

Y ahora, sin necesidad de conocer la historia del cuadro, sin apreciar el detalle de los pies descalzos ni el descuidado aspecto de la virgen como una provocación, hay algo que nos absorbe, que nos conmociona y nos llena de tristeza y fascinación. Y aún más: hay algo que nos perturba en el cuadro, que nos transmite una ambiente enrarecido, que nos provoca. Tal vez sea el rojo opresivo de la tela que cuelga arriba. Quizá nos desasosiegue el melodramático retorcerse de la mujer agachada en primer plano o las figuras de los apóstoles, con sus cabezas  agachadas proyectando las sombras que invaden el cuadro, sumergiéndose en la oscuridad que ellos mismos crean. O puede que sean las manos de la virgen, que parecen más tranquilas y en paz que nunca, felizmente abandonadas.

... Palmarés del Festival de Málaga!

Escribo rápidamente para comunicaros que ya se ha otorgado el palmarés del Festival de cine de Málaga 2011. Y la necesidad que he sentido se debe a mi alegría porque Begoña Maestre, actriz tristemente menos conocida de lo que debería, y a la que reivindico desde ya su estupendo trabajo en la serie Motivos Personales y en la película indpendiente Un Año en la Luna, en la que estaba fantástica, ha ganado la Biznaga a la mejor actriz por su trabajo en Arriya (La Piedra), por otra parte una de las películas más galardonadas del festival.

La cinta, del director vasco Alberto Gorritiberea narra el enfrentamiento entre dos familias y desarrolla el tema del conflicto del individuo frente a la tradición. Aparte de la Biznaga a Begoña Maestre, se ha llevado los premios a la mejor música, la mejor fotografía y mejor vestuario. La película ha entusiasmado a muchos, que han echado de menos que se llevara el premio gordo, que ha ido a parar...

...A Cinco Metros Cuadrados, nueva película de Max Lemcke, quien ya tuvo una buenísima acogida con su primera película Casual Day. En su segundo trabajo al parecer aborda con especial dureza el tema de la industria inmobiliaria durante la crisis, creando por lo que dicen una película desasosegante y angustiosa que debe de acabar inclinándose hacia lo grotesco. Es el primer papel dramático de relevancia en la carrera de Fernando Tejero, y ha debdio de gustar, porque se ha hecho con el premio al mejor actor. La película también ha ganado la Biznaga al mejor actor secundario para Jorge Bosch y el premio al mejor guión. La crítica también la ha considerado la mejor película del festival. Veremos qué tal está...

Otra película que ha llamado la atención ha sido Catalunya Über Alles!, que suscitó diferencia de opiniones en su forma de reflejar un crítico mosaico sobre la sociedad catalana y el racismo en Barcelona. Hay  a quien le ha fascinado y hay quien dice que está plagada de tópicos y clichés. En un principio el reparto pinta interesante: Joel Joan, Jordi Dauder, Belén Fabra y la inigualable Vicky Peña, que ella sola vale el precio de mi entrada. Se ha hecho con el Premio Especial, con el Premio del Jurado Joven y con una mención especial para uno de sus actores, Babou Cham. 

Por otro lado, la película recién estrenada en nuestra cartelera ¿Para qué sirve un oso? ha ganado la Biznaga al mejor director y a la mejor secundaria para Geraldine Chaplin. La película ha sido tildada de panfleto ecologista barato en algunos sectores, pero por otro sin embargo ha recibido estupendas valoraciones por parte de la crítica, alabando la labor de sus intérpretes y el resultado final de la película. A mí no me llama para nada la atención, y menos después de la saturación de tráilers de la peli en el cine.

Última película para destacar y que parece de las más interesantes: Amigos, de Borja Mansó, que cuenta con un guión de Borja Cobeaga que ha sido muy celebrado por su combinación brillante del humor más inteligente con el humor negro, el políticamente incorrecto y el directamente gamberro. Cuenta la historia de tres amigos que participan en un juego que su amigo muerto le propone en el testamento, y quien lo gane de los tres se llevará la herencia. Al parecer la película se vio envuelta en polémica porque entre el blanco de sus dardos se encontraba el escándalo Farruquito, y también debe arremeter sin piedad con la telebasura y la fama a cualquier precio. En su reparto, que ha sido muy destacado figuran Diego Martín, Manuela Velasco y un Ernesto Alterio que al parecer sobresale por encima del resto, protagonizando los momentos más brillantes de la película, que se ha llevado el Premio del Público.

Sin embargo en general el Festival ha debido de ser altamente decepcionante en cuanto a calidad y hay algunos que lo consideran el peor de su historia, salvando únicamente a Arriya. Se ha criticado mucho que ha primado el famoseo y ver a caras bonitas y conocidas por encima del buen cine. Sin embargo, debo decir que menos la de ¿Para qué sirve un oso? el resto de películas que se han hecho con premios, y alguna que se ha ido de vacío me llaman mucho la atención. Y vale, el Festival de Málaga nunca ha sido Cannes o Venecia, ni siquiera San Sebastián, pero siempre presenta algunas de las mejores películas españolas del año, de las que después nadie se acuerda por no ser películas de renombre, pero cuya calidad es muy decente y limpia al cine patrio de muchos de los prejuicios que siempre se le atribuyen, aportando propuestas diferentes y más creativas que aquellas de las que estamos acostumbrados. Yo por el momento tengo muchas ganas de ver Arriya y me interesan mucho Amigos, Cinco metros cuadrados y Catalunya über alles! Ahora solo falta que se vayan estrenando. No olvidéis sus nombres. Pueden dar mucho de qué hablar.

...DCFA 2010 Nominees!! Part II.

Continuamos con las nominaciones a mis premios a lo mejor del año cinematográfico. Esta vez, les toca el turno a los premios de interpretación. No os entretengo más, aquí los tenéis...

Mejor Reparto

Rabbit Hole: Sandra Oh, Tammy Blanchard, Diane Wiest, Miles Teller, Aaron Eckhart  y una monumental Nicole Kidman componen un estremecedor mosaico de formas de afrontar la pérdida complejo, sumamente inteligente, duro, dolorosamente divertido e irreversiblemente desgarrador.

Scott Pilgrim contra el Mundo: Michael Cera, Kieran Culkin, Allison Pill, Ellen Wong, Brandon Routh, Brie Larson, Chris Evans y un largo etcétera son el reflejo más fiel, enérgico, creíble y vital de una parte de la juventud actual que casi siempre es malinterpretada. Además están divertidísimos.

The Fighter: Wahlberg, Bale, Adams, Leo, McGee, O´Keefe... Unas interpretaciones tan profundamente humanas, tan intensas y complejas, llenas de luces y sombras que cuesta desprenderse de ellas y adentrarse en la película sin emocionarse con ellos.

La Red Social: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Rooney Mara, Armie Hammer (x2), Max Minghella, Rashida Jones, Brenda Song, el decano, todos los abogados, fiscales, mecanógrafos, el estudiante de Harvard número tres, el competidor en la regata número dos, las mesas, los ordenadores, las papeleras, los fenómenos atmosféricos... Todo aquel que dice una frase, respira ante la cámara o mira de reojo está PERFECTO.

Los Chicos Están Bien: Dos actrices poderosas, gloriosas, divertidísimas, con una química sobrenatural. Dos actores jóvenes que abordan sus papeles con inteligencia y grandes dosis de ingenio y capacidad de emoción. Y un Mark Ruffalo haciendo el papel de su carrera. Añádanle grandes momentos de los cinco compartiendo plano, de cenas y comidas llenas de risas y tensiones, de actores actuando juntos (lo cual es un gusto) compartiendo emociones y haciendo crecer a sus personajes. El resultado es esta brillante dramedia coral sustentada en su mayor parte en este repóker ganador.

Y me duele en el alma no haber encontrado sitio para repartos simplemente inmejorables como los de Another Year, Cisne Negro, Origen y Please Give (a pesar de que Oliver Platt me hace tener sentimientos encontrados hacia el conjunto, pesan mucho las interpretaciones maravillosas de sus actrices). Pero ésta debería ser una categoría de siete nominados, en los que sin duda estarían los espectaculares conjuntos actorales de La Vida en Tiempos de Guerra y Winter´s Bone.

Mejor Actor en un Papel Limitado

Brandon Routh en Scott Pilgrim contra el Mundo: Divertidísimo, el supervillano vegano está impagable en su sátira de las nuevas tendencias alimenticias y de paso hace burla de su condición de chico guapo sin dejar de serlo, lo que siempre viene bien. El mejor papel de Routh hasta la fecha.

Elli Wallach en Wall Street 2. El Dinero Nunca Duerme: Wallach compone en pocas escenas al padre que el personaje de LaBoeuf siempre hubiera querido tener: autoritario, sabio, alguien a quien admirar pero con mucha preocupación paternal hacia el joven protagonista. Su presencia es la encarnación de la nostalgia hacia mejores tiempos económicos, la decepción ante el momento actual.

Jackie Earle Haley en Shutter Island: Mueca inquietante, mirada turbadora: una sola escena le basta para meternos el miedo en el cuerpo y plantearnos mil dudas sobre nuestro protagonista y de lo que es capaz, 

Joaquín Garrido en Los Chicos Están Bien: Divertidísimo el "jardinero con alergias". Perfecto en su interacción con el personaje de Moore y mostrando cómicamente la confusión y extrañeza ante lo violento de la situación.

Douglas Urbanski en La Red Social: Protagonista de uno de los momentos más divertidos de 2010 es el vivo retrato de la administración y burocracia universitaria, de las viejas glorias descreídas del sistema educativo, despreciando a la juventud mimada y ególatra y profundamente indiferente ante ello.

Mejor Actriz en un Papel Limitado

Rooney Mara en La Red Social: Para conseguir la mejor conversación de la historia del cine eran necesarios tres elementos, y Mara cumple con su tercio de forma magistral, sublime.   Lanza sus frases exprimiendo cada coma, llegando a estar comprensiva, divertida, hiriente, sarcástica y ofendida a una intervención de distancia. Su frágil pero fascinante presencia, su mirada ágil, despierta, llena de inteligencia y sensibilidad... No solo enamora a Zuckerberg, todos los espectadores nos hemos agregado a ella. 

Charlotte Rampling en La Vida en Tiempos de Guerra: En una de las reflexiones más tristes sobre la sociedad actual, Rampling resulta descorazonadora en su composición de mujer-monstruo rechazada por su familia, afirmando que el enemigo está dentro de cada uno. El dolor en sus palabras es precioso y devastador.

Winona Ryder en Cisne Negro: La interpretación más intensa y aterradora de 2010, el odio y la frustración, el ansia de autodestrucción traspasan la mirada y los poros de la piel de los que la vemos, que quedamos sacudidos y seducidos por la fuerza de su Beth Macintyre y la agonía de ese cisne moribundo. Puntos extras por su componente autoparódico. Me refiero a la pasión y entrega de su "gran estrella venida a menos", no a ese indignado "¡¿me has robado?!". Mil gracias Aronofsky, por traérnosla de vuelta

María Paiato en Yo Soy El Amor: O ese grandioso descubrimiento que sin apenas proponérselo y solo a base de una honestidad indescriptible nos deja llorando a todos al final de la película con ese arranque de emoción tan sincero ante la decisión de su señora que le resulta tan natural como respirar. Es en su reacción donde percibimos la grandeza de lo que está ocurriendo, vemos todo el tiempo perdido de Emma, las oportunidades que ha malgastado y toda la vida que se abre ante ella.

Anne-Élisabeth Bossé en Les Amours Imaginaires: Rencor, despecho, rabia, resignación, mucha mala leche... Parecen estados de ánimo parecidos pero en Bossé vemos toda la gradación de emociones tras la ruptura y sus desternillantes confesiones a cámara, tan llenas de veneno e impotencia resultan de lo mejor de la película.

Mejor Actor Secundario

Mark Ruffalo en Los Chicos Están Bien: Simplemente grandioso, y parece que no hace nada. Uno puede llegar a pensar que uno de los papeles recurrentes de Ruffalo es el de colgao, y en parte acertaría, pero su Paul "el Donante" es mucho más que eso, es probablemente su creación más completa: juega la inmadurez, la simpleza y la transparencia del personaje para divertirnos, enternecernos, provocarnos y enfurecernos.

Andrew Garfield en La Red Social: Su interpretación del amigo traicionado y herido es simplemente magistral por su veracidad en ambos extremos: los detalles con los que dota a su personaje para crear su amistad y admiración hacia Mark y el desengaño, la rabia y la frustración ante la traición. De nuevo la manera de verbalizar el brillante texto de Sorkin es inmejorable. Su presencia y fuerza, su carisma nos permitían vislumbrar a una estrella poco antes de convertirse en Spider-Man.

Miles Teller en Rabbit Hole: O cómo encarnar a un adolescente sumido en el trauma y la propia inculpación sin caer en el histrionismo sentimentaloide ni en la vegetación interpretativa, simplemente abandonándose a la emoción pura. Abre nuevas madrigueras a la salida del dolor por la muerte y hace crecer la interpretación de Kidman a la vez que la suya sigue brillando.

Christian Bale en The Fighter: Triunfa como showman arrollador y acaparador de flashes, como adicto incorregible e inconscientemente egoísta, como niña de los ojos de su madre, como estrella de medio pelo desengañada que se autoengaña, como frágil víctima de las circunstancias, como hermano preocupado, como hermano irresponsable... El Dicky Ecklund de Christian Bale es explosivo, pero su verdadera naturaleza está bajo su piel, y Bale nos la sirve con sutil contundencia.

John Hawkes en Winter´s Bone: Consigue infundirnos en cada escena y sin necesidad de hablar temor y confianza, peligro y protección. Su composición es fascinante, impredecible, siempre sorprendente y manteniéndonos en tensión, misterioso y enigmático. Su dureza transmite ternura, su rabia y odio nos sugieren peligro pero parecen tendernos una mano ante tanta hostilidad. Su relación con Ree, sin necesitar de grandes parlamentos, es de las más veraces del año. 

Cinco grandes interpretaciones que se quedaron a las puertas...

Pierce Brosnan en El Escritor

Justin Timberlake en La Red Social

Jeremy Renner en The Town

Dylan Snyder Riley en La Vida en Tiempos de Guerra

Vincent Cassel en Cisne Negro

Mejor Actriz Secundaria

                          

Barbara Hershey en Cisne Negro: Inconmensurable. Hace suya la referencialidad evidente de su papel, bordeando la línea del exceso y saltándosela cuando la trama lo demanda con una brillantez escalofriante. Pero lo maravilloso de todo es que Hershey entra sin miedo en el terreno de lo grotesco, en el grand guignol pero hace que en todo momento lo que prevalezca sea la humanidad del personaje, la emoción, el dolor que siente Erica dentro: la locura de su Erica tiene en Nina su principio y su fin. Le esconderá el pomo de la puerta, pero llorará extasiada de orgullo viéndola bailar. Su presencia es en todo momento escalofriante y angustiosa, que oprime e incomoda al espectador. Pero de pronto, atisbos de compasión ante la madre frustrada y abnegada que lo dejó todo por la hija. Es un placer verla actuar. Gracias Aronofsky por traérnosla de vuelta (II).

Olivia Williams en El Escritor: En todo momento inescrutable y misteriosa, dándole al enigma de su presonaje un punto sexy irresistible. Imprime a su personaje un cinismo y un ingenio, una energía que la hacen doblemente atractiva, capturando para sí la esencia de la manipulación y la frialdad calculadora.  Williams nos hipnotiza a los de fuera como hace con McGregor dentro de la pantalla: por sus acciones, su lengua viperina, su actitud rebelde y su insolente inteligencia desconfiamos de ella, pero por las mismas razones no podemos dejar de mirarla y de acercarnos a ella.

Mila Kunis en Cisne Negro: Debería haber cambiado el "en" por Mila Kunis "es el" Cisne Negro. Su capacidad constante de tentarnos, su sensualidad, su oscuridad... Y desgraciadamente su interpretación puede pasar desapercibida por lo "Cisne Negro", entendida por esa aparente despreocupación, cuando cada reacción, cada gesto, cada mirada  o comentario tiene la precisión, el rigor y la maestría de quien lleva años ensayándolo, pero la magia de la frescura y la espontaneidad. Su Lily es genuina, inquietante, turbadora y la provocación personificada. Es imposible no dejarse arrastrar. Y baila de maravilla.

Jacki Weaver en Animal Kingdom: Compone un personaje inolvidable al que es imposible dejar de mirar.Lo que Weaver consigue en esta película es crear a un auténtico monstruo, una villana de las que no se olvidan, estremeciéndonos con la  afectada normalidad de sus maneras. Esa dulzura tan macabra, esas miradas diabólicas y enloquecidas, y sobre todo su manera de hablar, de pronunciar esas joyas inolvidables con sádico encanto. Ella es a quien hay que temer. Es espectacular la autoridad que puede imponer pidiendo un beso a su hijo. 

Amy Adams en The Fighter: Le da al personaje de "novia de..." una fuerza torrencial y arrasadora gracias al poder de una mirada mágica que nos cuenta el pasado turbulento de su Charlene. Y no solo dimensiona el personaje de "novia de..", sino que le da frescura y mucho carácter a su faceta de "novia comprensiva", estando al lado de Micky, pero sin consentir que se deje eclipsar. Sin abandonar su dureza, nos muestra poco a poco cada herida, cada grieta que ha mellado su armadura, y nosotros estamos con ella en la propia lucha de Charlene consigo misma. Sus escenas con Wahlberg y su momento en el porche con Bale son simplemente preciosas, y sus enfrentamientos con las mujeres de la familia son uno de los mayores placeres de la película. Esas contestaciones llenas de mala leche son una gozada.

Cinco maravillas a las que poco les faltó...

                          

Diane Wiest en Rabbit Hole

Keira Knightley en Nunca me Abandones

Melissa Leo en The Fighter

Dale Dickey en Winter´s Bone

Marion Cotillard en Origen

Mejor Actor Principal

Ryan Gosling en Blue Valentine: La combinación que hace Gosling del romanticismo impulsivo, dulce, persistente irresistible de los inicios, con la decepción, los complejos y las dudas e inseguridades del presente es alquímica. Establece un diálogo coherente entre el Dean del principio y el del final. Nos hace creer en la magia del amor para después destrozarnos y sumirnos en la amargura.  Mención especial por su constante versatilidad, por el riesgo y el compromiso con el que aborda a sus personajes y por cómo mira a Michelle Williams. Es un monstruo.

Mark Wahlberg en The Fighter: Cada golpe que recibe nos duele el doble a los espectadores por la estoicidad con la que los encaja, ya sea el golpe en forma de puñetazo al estómago o de rechazo por parte de su familia. Y su actuación es simplemente preciosa: sus miradas de orgullo hacia su hermano, la obediencia ciega hacia su madre, el amor adolescente e inocente hacia Charlene. Es precioso ver como se hace un hueco entre tantos tiburones sin renunciar a su corazón y su ternura. Encarna a un hombre en conflicto con todos los que le rodean sin en ningún momento perder la perspectiva de su personaje, no intelctualiza sus tormentos, se limita a sentirlos.

Ben Stiller en Greenberg: Su Roger Greenberg es cruel, es hostil y tóxico, arrogante, malintencionado... Y sin en ningún momento optar por justificar ni suavizar a su personaje, vemos poco a poco que no deja de ser un hombre perdido, inseguro, una herida viviente, alguien extremadamente vulnerable que se siente un fracasado y que vive en un pasado mejor, amargado por las propias expectativas sobre sí mismo. Ben Stiller nunca ha estado tan increíble, tan real,  dotando a su personaje de tal cantidad de matices... Y lo que llena de vida a su personaje es ver cómo cambia cuando se relaciona con el resto de personajes, cómo cuando está con Greta Gerwig o Rhys Ifans, Greenberg es otro.

James Franco en 127 Horas: James Franco llena a su personaje de vitalidad, de locura y deseo absoluto por la vida, por exprimirla al máximo. Abarca un amplio registro de emociones y sentimientos brillando en todos y volcando su carisma en el personaje para enriquecerlo siempre sin que en ningún momento el primero devore al segundo. Triunfa al regurgir en el espectador el lado tan sexy que tiene la rebeldía y la libertad, así como en hacer creíble la vertiente más espiritual de la película. Fantástico en su humor delirante, en su espíritu acelerado y en su conmovedora deseperación.

Jesse Eisenberg en La Red Social: Inigualable retrato de la soledad de un adolescente en un mundo dominado por las interacciones sociales. Su amargura, su desprecio a la sociedad que le rodea, su ambición, su odio y su rencor solo es comparable a su inseguridad, su necesidad de ser aceptado y su ansia por formar parte de algo. Lo primero Eisenberg lo escupe como si fuera veneno, lo mastica como a una presa, recitando sus líneas con tal convicción que no sabemos, entre actor y guionista, quién le ha hecho el favor a quién. De lo segundo se ha impregnado Eisenberg, con una profesionalidad que asusta, yace en cada uno de sus gestos y miradas, en cada frase, y nos captura con ello a todos.

Los cinco brillantes trabajos que completarían el top ten de 2010 serían...

Javier Bardem en Biutiful

Stephen Dorff en Somewhere

Aaron Eckhart en Rabbit Hole

Leonardo DiCaprio en Shutter Island

Unax Ugalde en Bon Appétit

Mejor Actriz Principal

Nicole Kidman en Rabbit Hole: Los que nos enamoramos de Nicole Kidman tenemos mucha suerte. Porque para disfrutar de ella no tenemos que esperar al  clímax de la película o a la escena clave en la que nos ponga los pelos de punta. Tenemos toda la película para asistir boquiabiertos a una nueva transformación por parte de la australiana, transformación que será valiente, comprometida y hechizante.  Tengo miedo de resultar excesivamente cursi (y lo digo después de haber utilizado la palabra "hechizante", así que preparaos), pero la Kidman ya no solo es el paradigma de la actriz por su riesgo y versatilidad, también lo es porque en todo momento ella no es más que el continente a través del que viven sus personajes. Los personajes de Nicole tienen alma. Y esta Becca es uno de sus mejores ejemplos. Vive por sí misma, a través de una actriz que afronta este personaje con una madurez conmovedora, con seriedad y entrega, y a la que dota de veracidad, emoción, amargura, sentido del humor y mucho dolor latente del que lucha librarse.

Michelle Williams en Blue Valentine: Conmovedora en sus dudas constantes entre lo que cree que se espera de ella, lo que desea vivir y lo que acaba viviendo. Y entre todo esto llega Dean, sacude su mundo y ella intenta reaccionar como puede. Gracias a una interpretación fascinante, el espectador es el único testigo de que ella intenta resistirse, pero su corazón siempre acaba venciendo a la voluntad con sus promesas de sueños cumplidos. Si en Dean se ve un cambio, en Cindy la atracción irremisible hacia su hombre persiste en uno y otro tiempo fílmico pero los matices han cambiado, la magia inconsciente del comienzo da paso a la estupefacción más aterradora. Mención especial por su constante versatilidad, por el riesgo y el compromiso con el que aborda a sus personajes y por cómo mira a Ryan Gosling.

Juliette Binoche en Copia Certificada: Y de nuevo otra actriz que no se pone límites, que no conoce reto que no ha probado, se convierte en musa de nuevo autor y nos regala la que probablemente sea su interpretación más completa. Está impresionante, su actuación en Copia Certificada es belleza, es una oda a la interpretación, a la transformación en el personaje. Consigue en una tarde encarnar todas las etapas de la relación de pareja. Pasa de juguetona y burbujeante a temperamental, de ahí a sumisa, a decepcionada, enamorada, serena... Ella es la síntesis de la mujer, y es imposible no enamorarse de ella. Increíbles sus fascinantes primeros planos y su conversación con la camarera en italiano, que da comienzo al juego del que se quedará prendada. No hay nada que se le resista y en esta película vuela más lejos que nunca.

Emma Stone en Rumores y Mentiras: Damas y caballeros, ha nacido una estrella absoluta. Emma Stone canta, baila, ríe, se pone seria (pero sin nunca tomarse demasiado en serio), bromea, eclipsa a todo aquel que se le pone por delante, se nos mete en el bolsillo a todos uno a uno, armada con una mirada pícara, con su voz cazallera, pero sobre todo con una pasión inigualable y disfrutando de cada momento, haciendo que el espectador lo pase pipa con ella. Y todo lo hace bien, y cuandose trata de hacer reír, no se pone límites: es un festival de caras y chascarrillos, pero lo mejor de todo es que todos son armónicos y están donde deben estar.Durante toda la película ella es maestra de ceremonias y estrella principal de este show-homenaje a las comedias de John Hughes, y nosotros solo rogamos que no nos deje, que siga hablando, que haga algo más. Y ella lo hace, promete mucho, pero da el doble. Y nos hipnotiza con su desbordante encanto e ingenio sin nunca saturarnos, sin pasarse de lista ni caer en la autoconsciencia, sino simplemente empleando sus armas de comediante, que son las mejores que ha visto el cine en mucho tiempo, y un Pocket Full of Sunshine.

Natalie Portman en Cisne Negro: Con su entrega física, su transformación psicólogica, su encarnación de la niña que no puede permitirse ser mujer, de la artista que debe desprenderse de sí misma, su plasmación de los temores sexuales, de su histeria reprimida, su retrato de la obsesión enfermiza desde lo físico a lo mental, pasando por lo emocional, con su brillantez en todos los registros que demanda este delirante cuento de terror: grand guignol, drama elevado, musical clásico, intimismo de autor, terror sobrenatural y toques de parodia, con todo esto Natalie ha alcanzado la grandeza, ha creado a un icono, ha colocado a Nina Sayers en la categoría de las grandes mujeres, perdón, de los grandes personajes de la historia del cine.

Y este ha sido un año extraordinario para las actrices, tanto que las finalistas que nombro a continuación habrían sido nominadas con facilidad en años menos cargados de tanta actuación memorable. Me duele muchísimo verlas relegadas a finalistas, pero aquí las tenéis, cinco trabajos excepcionales:

Greta Gerwig en Greenberg

Jeon-hie Yun en Poesía

Tilda Swinton en Yo Soy el Amor

Annette Bening en Los Chicos Están Bien

Jennifer Lawrence en Winter´s Bone

Y eso es todo, mis queridos lectores, nos vemos pronto (espero) con las nominaciones a guiones, dirección y película. Mientras tanto, ¿qué os parecen las de actuación? ¿a quién he olvidado? ¿a quién os hubiera gustado ver nombrado? ¿cuáles son vuestras preferencias en los premios de interpretación? ¿quién debe ganar? ?quién ganará?¡Hagan sus apuestas!