... Lisbeth Salander!

Me suena esta chica...

Pues sí mis queridos lectores, Rooney Mara, a quien a todos los que adoramos La Red Social conocemos como Erica Albright, la chica deseada de Mark Zuckerberg y que comparte con él la conversación inicial de la película, absolutamente perfecta  en su ritmo, ingenio, actuación y planificación; ella es ni más ni menos que la Lisbeth Salander hollywoodiense. Y para ello, la joven y prometedora actriz se ha sometido al cambio de look que presenta la foto de arriba. O esta de abajo...

...Que es increíblemente genial. Las fotos son ya de hace tiempo, e igual las habíais visto ya, pero como me siguen impresionando cada vez que las veo, me he dicho que bien merecían una entrada. Esta foto de los tatuajes es mi favorita de todo el reportaje, se le ve un cuerpo precioso y su actitud solo puede ser de Lisbeth Salander. Con un par de fotos, la creación estética del personaje me parece ya cercana a lo icónico. Y la señorita Mara está demostrando una gran versatilidad de registros... Vale, tal vez sea exagerado decir eso cuando aún ni siquiera se ha acabado de editar esta película, pero me cautivó en los pocos minutos que tenía en La Red Social, y estas fotos me seducen mucho (y Rooney Mara también). Lo cual hace que sea muy optimista para la nueva película de Fincher. ¿No os encanta cuando se produce el flechazo autor-actor y deciden ampliar su colaboración en más películas? A mí me gusta mucho que Fincher siga fijándose en esta chica.

                          

Con respecto a la película americana  de Los Hombres que no Amaban a las Mujeres, es posible que algunos de vosotros penséis con fastidio y escepticismo que "cómo no, por supuesto Hollywood tenía que hacer su versión del mega éxito". Espero que no seáis mucho los que lo penséis. Porque no sé qué opinión os merecen las películas suecas de la saga, yo he intentado ver la primera varias veces, y algún día lo conseguiré. Pero la pereza que me da es tan grande... Porque todo transmite copia, traslación (porque desde luego adaptación no es lo que parece) literal, condensada, fría y sin alma de la novela. Transmite todo menos inquietud artística,  ni intención de que el director capte el espíritu de la saga de Larson para hacerla suya y mostrarnos su visión... ¿Y de verdad esta clase de películas queréis, fans de la trilogía? ¿necesitáis ver tal cual lo que ya habéis leído para salir del cine, decir "está muy bien, prefiero el libro, pero está bien", y olvidaros de ella diez minutos más tarde? Que es lo que sucede con, por ejemplo, las películas de Harry Potter, que agradan a los puristas, que solo quieren el respeto más dócil e impersonal para las películas, ¿pero algún pottermaníaco sale prefiriendo las pelis a los libros del niño mago? ¿alguien que no haya leído los libros se siente atraído por Harry y compañía? ¿de verdad estas películas tienen valor sin depender de los libros?

Grandiosas Adaptaciones

A mi modo de ver, el problema está en la palabra anterior, adaptación. Para que una buena adaptación de una novela triunfe sin paliativos en el cine, el secreto no está en copiar sino en crear a partir de lo que existe, modificando si hace falta el original, pero siempre quedará el espíritu del mismo. Y así la obra perdura, y así apetece ver la película otra vez, y otra vez más. Y así nos encontramos con obras que gustan más o menos, pero lo que nadie les echa en cara es su falta de personalidad, el no quedarse en la palabra escrita. Son obras que complementan al original, le añaden más aristas, e incluso superan a la novela. Así Lo que el viento se llevó  le quitó una hija a Escarlata para no entorpecer la acción, y  le añadió épica e incidió en el melodrama. Danzad, Danzad, Malditos puso patas arriba la cronología de la historia y la decisión es muy moderna y efectiva, así como a pesar de las diferencias y todo su sadismo no olvidó en ningún momento la reflexión existencialista de la novela original, a la que superó con creces. Pasaje a la India consiguió plasmar de una forma sutil y tan elegante todas las ambigüedades y represiones sexuales de la protagonista que el resultado es estremecedor. El Almuerzo Desnudo, de la que todos pensaban que aclararía dudas de su críptico referente encontró en Cronenberg a la pareja ideal de Burroughs, y toda la película no hizo sino acentuar el misterio conspiranoico del original.  There Will Be Blood se inspira libremente en la novela de Upton Sinclair, pues Paul Thomas Anderson prefiere presentarnos al infernal creador del sueño americano y la historia de su peculiar país, acompañado de un ambiente tenebroso y perturbador gracias también a la labor de Johnny Greenwood en la banda sonora. El Club de la Lucha añade más orcuridad y destrucción y un espíritu más nihilista y apocalíptico si cabe que el que ya de por sí tiene la prosa de Chuck Palahniuk.

Fincher + Muerte = Combinación Ganadora

Y es ésta última la que nos remite al genio creador de quien hablamos en esta entrada: David Fincher, señor que tendrá tarde o temprano una entrada como se merece en este blog. Porque sí, Hollywood se aprovecha de todo lo que huele a éxito y demuestra una y otra vez que sus ideas están en peligro de extinción aunque la gente vaya en masa a ver remakes y secuelas... Pero es que quien se encarga de la versión de la primera parte de Millenium es la obsesiva y perfeccionista mente detrás de Seven y Zodiac. Un hombre que hasta su película más romántica, El curioso caso de Benjamin Button, no deja de ser una epopeya sobre la muerte. Es en definitiva el director al que hay que llamar si se quiere hablar de la psicología criminal, el que convierte una investigación criminal en una reflexión sobre lo que nos atrae y fascina de la muerte. Y Fincher ya ha manifestado que no es su intención hacer una saga, que va a modificar el final, es decir, que va a hacer suya la novela. Y para mí es motivo de la mayor de las alegrías, primero porque considero que una novela como Los Hombres que no Amaban a las Mujeres merece a alguien como Fincher, (a quien le confiaría mi vida), detrás de las cámaras; y segundo porque creo que la saga decae novela a novela, siendo la primera estupenda, así que me encanta que solo vaya a hacer una película, una obra cerrada y que además es una vuelta a sus historias oscuras. Ahora solo queda esperar con ansias el resultado, que llegará este mismo año. Por cierto, si alguien no lo sabe, Mikael Blomkvist será el mismísimo Daniel Craig. Aún no hay fotos, pero seguiremos informando...

... OSCAR NOMINATIONS!!!

Pues aquí las tienen, damas y caballeros. Las diez triunfadoras del día, hasta que el 27 de febrero se conviertan en nueve perdedoras y una sola ganadora. Pero no pensemos todavía en el quién ganará cuando aún no hemos analizado quiénes optan a la victoria. Sobre estas líneas se encuentran las diez finalistas a mejor película del año. Y debo decir que hacía tiempo que no veía una alineación de tanta calidad. Frente a temores de última hora que dejaban flojeando a candidatas como 127 horas, Winter´s Bone o The Kids Are All Right en favor de otras opciones como The Town, o sorpresas de última hora como Blue Valentine o El Escritor (que hubiera estado muy bien), al final las diez favoritas se han impuesto, componiendo un muy interesante mosaico del año, donde el éxito crítico de forma imprecedente y casi absoluta ha ido acompañado de una gran acogida de público. Pero no solo eso. Este año ha habido cabida para auténtico cine de autor, de animación, de ciencia ficción... y British. Qué bien (IRONÍA). No me malinterpreten, que de las diez nominadas uno intuya (pues me faltan cuatro por ver) que la" menos buena", pues en absoluto es peor, sea El Discurso del Rey, es señal de que estamos ante un gran año. Pero ironías de la vida, ésa misma es la favorita numérica. ¡Doce nominaciones! Una locura se mire por donde se mire. Locura nominar su fotografía, su montaje, su actriz secundaria, su rutinario guión, ¡su sonido!, su manipuladora y mil veces oída banda sonora, su inexistente director, su vestuario que no aporta nada... ¿Colin Firth? Adelante, estás magnífico. ¿Geofrey Rush? Muy bien. ¿La dirección artística? Hombre, es un poco ¡Mira qué papel de pared tan bonito! Pero se puede entender. Pero continuemos con el tema del director, uno de los mayores shocks de la tarde...

A Nolan no lo nominan ni en sueños (toma chascarrillo)

En efecto, en la foto cuentan cuatro de cinco: Aronofsky, un creador valiente, totalmente diferente a todo lo que se hace en Hollywood, un hombre contundente y comprometido con su arte, que este año por fin ha conseguido el reconocimiento que se merece con la a todas luces espectacular Cisne Negro (¡necesito verla ya!). Fincher, el hombre de las mil tomas, perfeccionista al límite, lo que le hace conseguir auténticas obras maestras . La Red Social es la última de ellas, y es prodigiosa. David O. Russell, director anárquico y polémico que llena a sus películas de su particular idiosincrasia, componiendo retratos de personajes únicos. Nominado por The Fighter. Y los hermanos Coen, surrealistas, nihilistas, grandes cineastas, perturbadores de los géneros cinematográficos, nos presentan su peculiar visión del western con Valor de Ley. ¿Recuerdan un grupo de directores más interesante nominado al Oscar el mismo año? "Sí, pero falta uno" dirán mis queridos lectores. De nuevo El Discurso del Rey pone la nota académica y convencional que en esta categoría en concreto tanto repelús me da. Porque seamos sinceros, fans del Discurso, la labor del director en este caso no es que sea muy encomiable o digna de mención ¿no creéis? Sobre todo existiendo este año Origen, donde la figura de Nolan, ese hombre que ha llevado la inteligencia a los blockbusters, que consigue hacer que el cine comercial pierda ese matiz peyorativo que le ha seguido en los últimos años, Christopher Nolan, una vez más, se queda sin su preciada primera nominación al Oscar al mejor director. Y a mí me da cierta risa, lo siento, no puedo evitarlo, pero me hace gracia imaginarme las reacciones furiosas de todo su ejército de fans ciegos que lo proclaman salvador del cine a cada estreno suyo, cuando sus películas distan mucho de ser perfectas, ni mucho menos tan originales como se las vende. Pero al César lo que es del César, esa nominación tenía que ser suya, él la merecía este año, Origen es su mejor película y su contribución al cine merece ser reconocida. Y además, qué precioso quinteto de auténticos creadores, de directores personales y únicos habríamos tenido. Pero no pudo ser. Por cierto, reclamar que la película que iba a ganar a mejor montaje... No está nominada. En efecto, Origen otra vez, probablemente la nominación que más se merecía y se queda en la estacada. La estructura de sueño dentro de sueño (dentro de sueño) no ha debido parecerles suficiente a los miembros de la Academia. Clama al cielo. Y de nuevo el discursito se encuentra por ahí. Pero, fans de Origen, no temáis, la película ha logrado ocho nominaciones, igualando en número (que no en relevancia) a las de La Red Social.

"¿Pero no estoy nominado?"

Hablando de la película perfecta de David Fincher. Celebro enormemente candidaturas difíciles de conseguir como su banda sonora, un prodigio retrovanguardista firmado por el líder de Nine Inch Nails, Trent Reznor, y por Atticus Ross. La banda sonora de la película es fundamental en el que el resultado de la película sea el que es, fija el ambiente de la película. Y por muchos premios que hubiera ganado, los académicos son terribles eligiendo a los compositores nominados, tremendamente elitistas, es muy raro ver una cara nueva nominada. ¡Enhorabuena! Así como a su candidatura en sonido (solo por la escena en la discoteca bien merece la victoria). Y por supuesto alegría ante las más cantadas pero no por ello menos merecidas a película, director, actor protagonista (sensacional Eisenberg), montaje y uno de los mejores guiones que jamás se han escrito en la historia del cine. Y en efecto, entre las felicitaciones no he nombrado a uno de los responsables (a mi modo de ver de los mayores responsables) de que La Red Social sea lo que es: Andrew Garfield. El nuevo Spiderman se ha quedado sin nominación. A primera vista parecía tener mucho en contra: joven y con una interpretación que no es de las que gritan a los cuatro vientos "¡quiero un premio!". Pero creo que todos lo considerábamos un fijo en la categoría desde que vimos su trabajo. y no es para menos: está espléndido, ha sido la mayor revelación de este año, su interpretación está llena de clase y profundidad, es el perfecto secundario. Sí, está bien, los cinco secundarios nominados son todos geniales, especial alegría por la inclusión de John Hawkes (Winter´s Bone), por lo inesperado y genial de su interpretación, pero el Eduardo Saverin de Andrew Garfield es probablemente la mejor creación de La Red Social y el mejor secundario del año. Y el joven Garfield se ha quedado con las ganas...

Mila cabreada, observa las nominaciones

Preciosos vestidos ignorados

...Como con las ganas se ha quedado Mila Kunis, quien parecía tener en principio más a su favor, porque ser joven en las categorías femeninas es un punto a favor (la explicación a esto solo es el puro machismo imperante en la Academia, y si no comparen edades entre hombres ganadores y mujeres). Es joven y sexy, por lo que dicen está genial en Cisne Negro, y encima su película está en la cresta de la ola gracias a su inesperadamente cálida recepción en taquilla, al tratarse de una película tan arriesgada y a contracorriente. No puedo defenderla tanto como quisiera porque aún no he visto su trabajo, pero es una pena que ni ella ni Barbara Hershey por la misma película hayan conseguido un hueco. Los académicos se han centrado en la al parecer histórica interpretación de su protagonista, Natalie Portman, y se han olvidado de un reparto de lo más ecléctico que ya reivindican en numerosas páginas. Se dice que Cisne Negro ha quedado tocada por recibir cinco nominaciones, muchas menos de las que se esperaban, pero yo creo que su sola presencia en categorías como película, director y montaje es todo un premio en sí mismo, y más viniendo de una asociación tan conservadora. Por mucho que fuera de las favoritas, yo no me he sentido seguro de ello hasta que no he visto su nombre entre las diez principales. La Academia no ha sido tan valiente como se esperaba con esta película, pero poco a poco...Supongo. Además, a pesar de sus escasas nominaciones, el hecho de que figure en las tres categorías antes mencionadas, que son en las que siempre se hacen hueco por costumbre las favoritas de la Academia, hace pensar que si volvieramos a las tradicionales cinco nominadas en vez de diez, Cisne Negro estaría presente, y eso es de celebrar. Como es de celebrar la presencia de uno de los directores de fotografía más talentosos y menos reconocidos del panorama cinematográfico actual: Mathew Libatique, por su trabajo en esta misma película. Libatique es el colaborador habitual en las películas del genio Aronofsky. Pero por muy radical que la peli sea, no se explica de ninguna manera su ausencia en vestuario, provocador, adecuado, icónico; como icónico es el maquillaje de las bailarinas de la película, que también se queda sin nominación, así como los decorados o el uso del sonido. Solo con ver el trailer se puede apreciar que merecería estas nominaciones. ¡Me muero por verla!

¿Decorados falsos como monedas de chocolate? ¡Nominados!

Ha habido ausencias que han dolido, sí, pero no lo habrían hecho tanto de no ser porque han dejado paso a auténticos abortos creativos como...¡Alicia en el País de las Maravillas! Con el Tim Burton en las horas más bajas que se le recuerdan, una de las peores películas que he visto este año y se ha hecho con tres nominaciones inmerecidas. Porque lo que ha hecho en esta película ha sido masacrar la novela de Carroll y despojarla de toda su creatividad, a base de decorados y vestidos que solo pueden calificarse de feos y cutres, y con unos efectos visuales que dejan absolutamente fríos. Pues esas tres nominaciones ha conseguido. Menos mal que no se han coronado eligiendo la partitura de Elfman, un refrito de sus anteriores colaboraciones con el director. Estas nominaciones quitan credibilidad a los premios y dan auténtica vergüenza. Porque no es porque sea  "raro", es porque ni la peli, ni sus vestidos o localizaciones tienen alma. Es un producto vacío, y es vergonzoso que haya conseguido nominaciones.

El Maravilloso Quinteto de Nominadas

Una vez soltado todo el veneno, hay que decir que entre las nominaciones hay también numerosos motivos para alegrarse, comenzando con la magistral selección de actrices nominadas. Las cinco de aquí arriba son las afortunadas. Me falta por ver a Natalie, que va a estar inigualabale, y a Michelle que tiene pinta de estar desgarradora en Blue Valentine. Michelle Williams merece una mención especial, pues tras su paso por Dawson Crece se ha caracterizado por su sabio criterio a la hora de participar en películas, todas ellas de marcado corte independiente y minoritarias.Está demostrando ser una actriz valiente y poseedora de una sensibilidad única para afrontar sus personajes. Su trabajo en Wendy & Lucy es memorable. Natalie Portman, hace historia en el papel de la bailarina protagonista de la peli de Aronofsky, es la favorita a batir.Ambas consiguen su segunda nominación, esta vez en principal tras una de reparto. Si alguien puede vencer a la Portman ésa es Annette Bening, a quien deberían haber premiado ya (Hilary Swank le roba los Oscars que se merece) y tal vez eso pese a los académicos. De un modo u otro está espléndida en The Kids are All Right en un trabajo muy sutil pero muy honesto y emocionante. La verdad de su Nic estremece a la platea. Y hablando de Nic... ¡NICOLE KIDMAN HA CONSEGUIDO SU TERCERA NOMINACIÓN! Pensé que nunca iba a poder escribir esto... Solo por eso ya merecen la pena las nominaciones. Por fin los académicos deciden perdonar ese pecado que debió cometer tras ganar el Oscar y que la obligó a permanecer al margen de los premios a pesar de interpretaciones sensacionales e inolvidables; y se lanzan a nominarla una tercera vez. Y eso que los fans hemos sufrido hasta el final, pues la película apenas ha sido vista en EE.UU. y podrían olvidarse de nominarla fácilmente. Afortunadamente no ha sido así, porque quienes ven esa actuación  conmovedora, agresiva, inesperadamente divertida y de una madurez que impresiona, no la olvidan, pues su Becca Corbett sacude el corazón a todo el que la ve. Y por último la quinta nominada es una de las revelaciones del año, Jennifer Lawrence, que está inmensa en Winter´s Bone, a pesar de que por ser un papel  estoico y de mucho subtexto ha sido menospreciada. Vean la película cuando se estrene, se disfruta mucho sufriendo. Y Lawrence está increíble.

Y para finalizar, cuatro sorpresas que me han hecho saltar del sofá (junto a la inclusión de Kidman entre las nominadas): Bardem, fuera chovinismos ridículos, realiza la mejor, más compleja y completa actuación de toda su carrera en Biutiful. La película hace aguas por todas partes, pero Javier Bardem es insumergible. Claro que contar con amigos como Julia Roberts, Sean Penn o Ben Affleck que promocionan tu trabajo allá donde van tampoco viene mal... Pero el hecho es que se merecía estar allí, aunque uno de los perjudicados ha sido Ryan Gosling, que seguro está increíble (y que a mí me guste más) en Blue Valentine. No obstante con Su Majestad Colin Firth y el freak multimillonario de Jesse Eisenberg poco tiene que hacer. Por otro lado el majestuoso y fascinante vestuario de Yo Soy el Amor, una de las mayores obras maestras del año, que merecía más suerte en las nominaciones, pero nadie se esperaba una sola de ellas al ser producción extranjera y ni siquiera respaldada por su país. La decisión de nominar su vestuario, sin duda el mejor con diferencia de todos los nominados, merece una ovación. Lástima que tampoco tenga mucho que hacer. Pero aprovecho para recomendar esta preciosidad de película a todo el que no la haya visto. No habéis visto nada igual. Incluso si no os gustara, es pura exquisitez visual (una nominación a fotografía o a la gran Tilda Swinton hubiera ido de perlas). Tercera sorpresa: Exit Through the Gift Shop, un documental irreverente y lleno de ingenio que cuestiona el mercantilismo en el mundo del arte y nos descubre a un creador, Banksy, que es un auténtico genio, así como a numerosos artistas callejeros que valen su peso en oro. Y que no os asuste la palabra documental para los poco amigos del género: es divertidísimo. Al ser tan diferente a lo que se espera de esta categoría no imaginábamos nominación, sobre todo dejando en la cuneta a pesos pesados como Waiting for Superman. Pero así ha sido. ¿La Academia se moderniza? Eso parece también debido a la cuarta agradable sorpresa: ¡Canino a mejor película extranjera! La película griega, marciana, macabra, infinitamente inteligente parábola sobre la educación y la comunicación familiar, a la que se ha descrito como un Haneke con sentido del humor, es un plato muy fuerte para el gusto habitual de la Academia, pero allí está. Y nos alegramos muchísimo.

En resumen, el marcador de nominaciones entre las diez ganadoras ha quedado así:

12 Nominaciones El Discurso del Rey.

10 Nominaciones Valor de Ley.

8 Nominaciones Origen y La Red Social.

7 Nominaciones The Fighter.

6 Nominaciones 127 Horas.

5 Nominaciones Cisne Negro y Toy Story 3 (por cierto enhorabuena al corto de esta última, ¡precioso!)

4 Nominaciones The Kids Are All Right y Winter´s Bone.

Mucha suerte para mis favoritas Cisne Negro y La Red Social, y el 27 de febrero tenemos una cita con Anne Hathaway y James Franco en el Kodak Theatre, donde nos espera una noche de vestidos, premios, de una ceremonia que esperemos sea genial, y con mucho, mucho cine.

... Christina Rosenvinge!

Antes de seguir con el resumen musical de 2010 (del que no me olvido, pero necesito tiempo...), os presento el que probablemente sea el primer gran disco del año, "La Joven Dolores", con la Christina Rosenvinge más inspirada que recuerdo. No sé si anda alguien despistado, imagino que no, y que tenga prejuicios por sus pasados con Álex o con Los Subterráneos (que por otra parte eran geniales, pero hay gente que menosprecia esa música, qué le vamos a hacer). Pero la cuestión es que, poco a poco, Christina se ha convertido en la gran dama española de la música independiente. Y su último disco es... Dejemos que ella lo explique:

Condenada por los dioses sin su linda voz, Eco se esconde en su cueva con su dolor...

Así abre la Rosenvinge su nuevo disco, en el que ya nos va avisando: se trata de una obra de clara inspiración literaria, en concreto poética, en la que Christina ha recurrido a los mitos griegos y a evocaciones bucólicas y sensoriales. Con tan sofisticado referente, va construyendo con sus letras elaboradas alegorías, metáforas preciosas, que como sonetos renacentistas llegan poco a poco a la conclusión, a su aplicación contemporánea. Recurre a la leyenda para tratar de explicar los misterios que ahora le perturban.

Descansa, ven y duérmete. Tanta furia para qué. Canta que yo tocaré hasta que te haga volver...

A diferencia de la Christina que nos encontrábamos en su anterior trabajo, Tu Labio Superior (2008), tan optimista y entusiasta, que miraba adelante; esta Joven Dolores no solo va al pasado en busca de inspiración, sino que nos la encontramos desencantada y melancólica, resignada, lamentando el pasado o tratando de encontrar sentido a las heridas del amor. Una Rosenvinge muy poética, muy madura pero...

Te gusta echar de menos pero no sabes querer , te empeñas en atarme y luego te echas a correr, si el monstruo te da miedo ¿por qué le das de comer?

... Pero no por ello abandona esa traviesa mala leche, llena de reproche y de ganas de gritar verdades. Este fragmento, que pertenece a la fantástica e inefable canción La Noche del Incendio, que como la propia Christina ha confesado, es la canción que nadie quería en el disco, que todo el mundo le decía que no debía incluir en él, por larga, por carecer de estribillo, por su inusual ritmo, y que ayer, en la presentación cantó advirtiéndonos que igual no nos gustaba, y cuando la acababa, entre entusiastas clamores, aún parecía disculparse entre una tímida sonrisa y un "es que me gusta mucho". En esta canción arremete contra áquel a quien se la canta, contra los edificios, contra el diablo, contra Dios, sin dejar que esa mala leche amargue el sentido del humor que impregna esta canción marciana que parece una ácida serenata.

Con el verdadero amor se hacen casas de ladrillo, con esto que hay entre tú y yo solo salen estribillos...

En este disco sigue habiendo espacio para ironías sonrojantes que no dejan de ser geniales y que es una delicia vérselas decir a ella, que busca al público para que sea cómplice de sus últimas ocurrencias y parece guiñarnos un ojo. Se nota un cambio en su voz y mientras la dice parece recordarnos "si en el fondo soy una cachonda".

Era mi dulce cazador (al anochecer) me protegía su calor (al anochecer), me partió el labio con desdén, dijo "esto es amor también".

Si algo caracteriza a este disco a diferencia de otros suyos es, primero la mencionada mitología y presencia de la naturaleza y los sentidos ya mencionada; pero por otro lado nos encontramos con una mujer que no titubea ante una presentación de las relaciones personales en su vertiente más oscura y enfermiza. Sus canciones están repletas de momentos intensos, de entender el amor como esclavitud, como vampirismo emocional, como choque de egos que solo lleva a la muerte de Narciso sin haber amado nunca a Eco.

Le partió el labio con desdén...

Aún le veo en la cornisa, cada peca brillando en su piel. Sonriendo, sin camisa, no hay nadie como él.

A pesar de todo, Christina nos regala una dulce canción que es toda una alabanza al amor fraternal, a lo que vivió con su hermano en la infancia, una canción llena de gratitud y hermosos recuerdos que nos conmueve a quienes tenemos la suere de disfrutar de los mejores hermanos del mundo.

A la sombra de un abedul

vi muchas tardes pasar

ay, mi niña, su mundo azul

se quemó con la ciudad.

Agotada la juventud

solo quedaba aspirar

a otra forma de esclavitud

buscando en la oscuridad

Con esta estrofa que resume un poco el espíritu de su preciosa creación acabo la crónica de lo que ayer me pareció el descubrimiento de una exótica joya en el panorama musical español. Y una joya que se descubre audición tras audición, gracias a esa voz que me enamora y que nunca ha sonado mejor, a esas letras tan ricas y llenas de significado y detalles. A una música, a un uso de la instrumentación tan elegante y refinado, tan sofisticado como el disco en su conjunto, como la propia Rosenvinge. Una mujer que por cierto, ayer se mostró dulce y cariñosa, divertida y muy cercana, sin perder nada de ese misterio que yo me empeño en verle; ante quienes tuvimos la suerte de asistir a su presentación y mini-concierto, en el que cantó con una sensibilidad conmovedora y un sentido del humor poco habitual. Sé que es un disco que me acompañará a lo largo del año y durante mucho, mucho tiempo. Dadle una oportunidad. Si lo hacéis, seréis gratamente sorprendidos viendo hasta dónde llega nuestra música y con suerte os enamoraréis de esta Joven Dolores como estoy haciendo yo. En el peor de los casos quedaréis extrañados ante sus letras, confundidos tal vez, algo contrariados, pero conscientes de que habéis escuchado algo diferente. Y si no lo escucháis, pues simplemente cantaremos la-la-la-la-la-la-la mi pequeña Odisea no tendrá quien la lea, qué se le va a hacer...

... T.V. GIRLS!!

Léase con voz de presentador de Teletienda, para divertirse más

¿Aburrido de encontrar las mismas caras en la pequeña pantalla? ¿Su cadena televisiva necesita un rostro refrescante? ¡Acompáñennos en este cinéfilo recorrido por las últimas décadas en busca de la inspiración que necesitan!

Los impulsivos ´10 presentan a... Becky Fuller! También conocida como Rachel MacAdams, o la novia perfecta, o la mujer más encantadora de este planeta... Antes de seguir, sabed que esta entrada está dedicada a ella, a su luminosa presencia en pantalla, a que en cada película que hace se deja la piel con un entusiasmo contagioso.Y desgraciadamente solo las vemos unos pocos afortunados. Verla actuar es increíble. La nueva década nos trae a una productora de televisión joven pero comprometida, ingenua pero ambiciosa, dulce pero obsesiva...y está encantadoramente loca. Rachel MacAdams en una de sus mejores actuaciones señoras y señores. ¿Por qué no le dan mejores papeles?¿ Hay alguien de su generación mejor que ella? En esta nueva película demuestra su inagotable talento para la comedia física y su ingenio para la verbal. Y tiene una sensibilidad única para dotar a sus personajes de más tridimensionalidad que los de esa peli de Cameron de cuyo nombre no quiero acordarme... Por cierto, la película en sí, Morning Glory, sin ser una obra maestra nos reconcilia con la mejor comedia clásica y elegante, que tan poco abunda en estos tiempos. Porque a veces uno necesita montajes musicales oyendo a Natasha Bedingfield de fondo... Y porque siempre necesitaremos a Rachel MacAdams y su mágica sonrisa. Aunque la taquilla se empeñe en decir lo contrario.  Vean lo que Rachel MacAdams sabe hacer: salvar un programa de televisión... y enamorar a la audiencia, perdón, a los espectadores.

Claro que si lo que necesitan es a alguien que pueda hacer cualquier cosa por triunfar, lo mejor será retrotraernos a los oscuros ´90 y contratar a...Suzanne Stone Maretto!! Porque ella también es muy dulce, presenta el tiempo como nadie, es atractiva (es PRECIOSA), muy ambiciosa y también está loca... de otra manera, pero está muy loca. Y no dudará en coger una cámara, conquistar a quien haga falta, y corromper a cuantos menores sean necesarios para conseguir sus objetivos... Siempre perfectamente peinada y maquillada, por supuesto. Nicole Kidman en uno de sus mejores papeles, conquistando la tele, el cine y al mundo entero con su perfecta encarnación del sueño americano. Nadie sabía antes lo terrorífica que podía llegar a ser la "basura blanca" (¿u os creíais que lo inventó Million Dollar Baby?) Cada frase la convierte en mítica, cada detalle de su personaje es crucial, ella no es Nicole, es Suzanne, es una pesadilla, es perfecta, y peligrosamente profesional. "En América no eres nadie si no sales por la tele". Ella hubiera hecho de Gorbachov alguien mucho más querido. La televisión no será la misma si la contratáis. Búsquenla por las pistas de hielo.

¿Demasiado oscuro para su gusto? ¡No se preocupe! Porque los encantadores ´80 nos traen a la más profesional de las profesionales, a la maravillosa  Jane Craig. O lo que es lo mismo, a la mujer más divertida de América, la descacharrante ¡Holly Hunter! Porque es capaz de eclipsar a todo el Sistema Solar con su escara estatura a base de ingenio y un increíble sentido del humor. Además de profesional es leal, adora y está siempre para sus colegas y es una enamorada de su trabajo... y de algún que otro compañero. Nos hacen creer que tal vez no esté acostumbrada a las citas y al romanticismo pero... ¡Venga ya! ¿Quién no caería rendido a sus pies? Es una locomotora humana, y domina el  tempo cómico como ninguna. Y oírla reír es una delicia para todos Por si fuera poco, Al filo de la noticia es una película genial, con un guión sofisticado y actuaciones portentosas de su trío protagonista (y el cameo de Jack Nicholson), pero en el que brilla con luz propia esta mujer genial, que supo darle a la actuación cómica la posición que se merece y que puede que no tuviera desde tiempos de Kate Hepburn (si bien el Oscar a la Hunter no le llegara hasta su absolutamente perfecta y arrebatadora composición en la muy dramática El Piano). ¿Necesitan a alguien fiel, a la mejor en su trabajo, a quien todo el mundo adore, y con quien no parar de reír? Suya es Jane Craig.

 Pero dejémonos de dulzura y volvamos atrás a los mordaces y crudos ´70. Porque la mujer que esta década nos presenta aplastaría a las otras tres sin romperse una uña ni estropearse su preciosa melena. Con todos ustedes... ¡Diana Christensen! Encarnada por la sin igual Faye Dunaway. Ella es implacable, no pierde nunca, es un auténtico tiburón, da verdadero miedo, solo siente verdadero placer oyendo sus índices de audiencia. ¿No me creen? Prueben a llevársela a la cama y comprobarán lo que les digo. La Dunaway está espectacular en Network, la película con el guión más erfecto que uno imaginarse pueda, adelantado a su tiempo, crítico, agudo, lleno de mala leche... Habla de la tele como nunca se había hecho ni como nunca se ha vuelto a hacer. Y ella domina la pantalla, sedienta de éxito, creyendo en lo que hace, carente de escrúpulos, siendo la mejor y sabiéndolo. Y cada intervención o aparición suya está cargada de electricidad, te sacude y te lo arrebata todo como un huracán. ¿Quieren a asustar a la competencia y arrasar por completo? Contraten a Diana Christensen. ¿Quieren interpretaciones memorables en una de las mejores películas de la historia? Vean Network.

Tras este recorrido, ¿les queda alguna duda? ¿Verdad que no? ¿Pues a qué esperan? ¡Pasen este domingo maravilloso viendo alguna de estas geniales películas sobre la caja tonta! Según estados de ánimo:

¿Quieren pasar un rato entretenido y agradable con una historia inofensiva pero encantadora? ¿Quieren una película simpática sin ningún tipo de condescendencia en el uso del término sino la mayor de mis admiraciones?¿les apetece buen cine comercial y comedia clásica? ¡Vean Morning Glory!

¿Quieren humor negro y maligno? ¿se sienten macabros e irónicos? ¿Os apetece cine indie sin concesiones a la galería? ¡Corran a ver Todo por un Sueño!

¿O prefieren humor ágil e ingenioso? ¿una comedia como aquellas con las que hemos crecido, con esas dosis enormes de frescura y falta de pretensiones pero conquistándonos a todos con su inteligencia y humor? No lo duden, ¡Al filo de la Noticia es su película!

Por último, si queréis ver una de las mejores películas de todos los tiempos, con un guión incendiario, una dirección perfecta, el reparto más completo, enérgico y poderoso del mundo, si quieren gritar lo mucho que odian la televisión y que están hartos de ser manipulados... Bueno, seamos sinceros, sea cual sea vuestro estado de ánimo: ¡No os perdáis Network!

Mi consejo: ¡Vedlas todas!

...2010 in Review. The Music (Part 1)

Comenzamos el repaso de lo que el 2010 supuso para la música. Y como la vida está llena de contradicciones, la primera parte no va dedicada a 2010. Déjenme explicarme...

2010 en Resumen. La Música. Parte 1: Joyas Tardías.

 En efecto, esta primera parte está dedicada a cinco artistas musicales que, si bien sacaron su disco al mercado en 2009, yo los escuché por primera vez en 2010, por lo que son como una excepción especial (¿hay alguna que no lo sea?) del 2010. Ya sea porque realmente fue el año pasado cuando tuvieron especial relevancia, o porque se me pasaron, aunque yo diré siempre, como buen purista con la fechas que soy, que son discos del 2009, en mi interior los consideraré siempre del 2010, pero no se lo digáis a nadie. Estos son los afortunados que llegaron tarde: 

Edward Sharpe and the Magnetic Zeros: La banda liderada por Alex Ebert llegó a mí por casualidad y llegó para quedarse. Su primer disco, Up from Below, es una delicia retro folk, una cápsula temporal que nos transporta al tiempo de las flores y de hacer el amor, de sonidos de cuerdas y alegres silbidos. Escuchar Home es de lo mejor que me ha pasado este año. Se necesita poco más para sentirse en armonía con el Universo y sus criaturas. Un disco para emocionarse y encontrar el optimismo en general y en la música en particular. Aparte de la preciosa Home, es imprescindible la escucha de Carries On.

Florence + the Machine: Así es como se conoce a esta fabulosa pelirroja, Florence Welch y al grupo de colaboradores que se encargan de respaldar su portentosa voz con música. Y qué música. ¿es soul? ¿rock? ¿baroque? ¿dream pop? Puede que sea todo ello y nada realmente, pero lo que sí ha conseguido con su debut, Lungs, es una obra única, innovadora y contundente, en un disco que empieza con la ahora ubicua pero no por ello menos maravillosa Dog Days Are Over y que desde ese espectacular comienzo no deja de crecer, apostando por canciones que presentan un excelente manejo de los crescendos y del ritmo, dejándonos la mayoría conmocionados, si no es por la intensidad de su música, su capacidad de adición progresiva de elementos y su voz prodigiosa, es por sus inigualables letras. Como ella misma canta: a kick to the teeth is good for some, a kiss with a fist is better than none. Imprescindibles son la citada Dog Days are Over, Rabbit Heart, Between Two Lungs, Cosmic Love, Blinding y You´ve Got the Love.

 La Roux: Y con ella llegó la electónica. Porque la modernidad no se avergüenza de sus raíces, sino que las celebra y hace suyas. Si a ello le añadimos un look andrógino molón tenemos al dúo más cool y adictivo que se recuerda. Tal vez 2010 haya traído aluno más... pero esa será otra historia. En lo que concierne a La Roux, su disco homónimo es un auténtico rompe pistas que no se escucha, se devora. Es increíble con tan poco conseguir un resultado tan depurado, tan elegante y de una calidad impresionante. Para mí es la celebración definitiva de los 80, repleta de canciones pegadizas que bailaríamos una y otra vez. Sus canciones rezuman una afectación muy teatral que solo pide disfrutar una y otra vez de ellas. Y se agradece tanto el cuidado que se le ha puesto a la estética del disco sin que en ningún momento prime esta sobre las intenciones musicales del dúo. Es lo que se le pide a todos esos grupos que intentan resucitar los 80 y no lo consigue (algún otro sí lo hace pero... sí es otra historia), pero todo ello guiado por la voz delicada y maestra de Elly Jackson, que calcula cada matiz. Imprescindibles de escuchar son I´m not Your Toy, Bulletproof, Tigerlily y Fascination.

 Mumford & Sons: Pregunta: ¿Qué era lo que necesitaba el folk independiente para enamorarnos definitivamente? Respuesta: Cuatro caballeros enormemente atractivos y muy majetes cuyo vocalista principal (el único no tan atractivo) tiene una voz prodigiosa, llena de sensibilidad y sentimiento; al que sus tres compañeros arropan con unos coros preciosos a la par que hacen sonar el banjo como nunca antes. Ésa es una de las grandes virtudes que más impresionan de Mumford & Sons, una de ellas serían los ya mencionados coros, otra sería que consiguen epatarnos con su extraordinario dominio de los distintos instrumentos que tocan, ya sea el banjo (sobre todo), la mandolina, el teclado o los tambores. Si a ello le añadimos unas letras muy inspiradas, de las mejores escuchadas este año, con influencias de Shakespeare (Mucho ruido y pocas nueces en Sigh no More y Macbeth en Roll Away your Stone) y de Steinbeck (Al Este del Edén en Thimsel y Las Uvas de la Ira en Dust Bowl Dance), el resultado es un inteligente y emocionante lavado de cara a la música folk. Imprescindibles son entre otras White Blank Page, Little Lion Man, The Cave, Winter Winds y Roll Away Your Stone.

The XX: Puede que haya sido el disco más sorprendente que he escuchado este 2010. Me encanta el New Wave y la música atmosférica, muchas veces pienso, "si hiciera música, haría algo así". Y The XX han creado un disco que a la par que te sumerge en la oscuridad de sus letras melancólicas y tristes, te deslumbra por su fuerza poética y por su imprevisibilidad. De verdad, no me veía venir a un grupo de cuatro ingleses que apenas tienen veinte años con influencias del sonido de The Cure, de Radio Dept. o New Order. El disco en su conjunto es muy coherente, complejo y oscuro, creando una atmósfera introvertida, casi de sueño, causando esa confusión y estupefacción, ayudando a ello la sugerente voz de los dos vocalistas, especialmente ella. Sí, se ha oído hablar mucho de su punto oscuro (oscuro Cure, no oscuro emo a lo crepuscular o Tokyo Hotel), pero parece que es porque la tristeza va asociado siempre a lo deprimente, sin embargo hay mucha dulzura y romanticismo, incluso diría yo sentido del humor. Lo que es inagotable es la belleza y poder evocador de sus canciones. Estamos ante un disco que tiene que descubrirse tarde o temprano, fueron la revelación de 2009 y yo me entero en 2010. No dejéis que pase el 2011 para empezar a escucharlos. El disco es imprescindible en sí mismo, mis canciones favoritas puede que sean las cuatro primeras (y las tres últimas), pero todo el disco es sublime. Destaco Islands, porque no solo la canción es fantástica, sino que el videoclip es impresionante.

... Botticelli!

Venus y Marte

No es mi inención, de hecho es algo que no me gusta nada, aburrir a los lectores del este blog con circunstancias personales. Pero sin que sirva de precedente, ahí va: es el segundo día en que se esperaba que mi profesor de Renacimiento apareciera para darnos una clase magistral sobre Botticelli, último pintor toscano del Quatrocento tardío que nos faltaba por aprender y uno de mis pintores favoritos del mundo entero, y no ha aparecido. Se busca profesor para que me haga muy feliz explicándome por qué Botticelli era tan maravilloso y por qué sus mujeres son las más bellas de la historia de la pintura.Mientras tanto, tendremos que conformarnos con una selección de obras maestras del artista. Y observar cómo en su contribución por la secularización del arte retoma el elemento mítico en la temática de sus cuadros. Y cómo Botticelli, al igual que los de su generación, una vez asumida ya la representación del espacio en perspectiva, decide incidir en su lugar en la sofisticación, la elegancia y la delicadeza, en la profusión de detalles. Solo que Botticelli lo lleva hasta las últimas consecuencias, creando escenas de belleza absoluta y personajes enormemente idealizados. Muestras de su elegancia a través del detallismo es el lenguaje de las manos de sus personajes, los tocados, la melancólica y misteriosa languidez de las miradas, los detalles y la idealización anatómica... Destaca también en Botticelli su recurrencia a los temas literarios, reflejando, en particular su devoción hacia Dante y su Divina Comedia. Y la poderosa fuerza de sus retratos. Si con algo me quedo de Botticelli es, aparte de su refinamiento, con sus miradas, increíblemente evocadoras, y con su dominio narrativo, gran contador de historias a través de un único lienzo.

El Nacimiento de Venus

Madonna

Alegoría de la Abundancia

El embudo del Infierno

Retrato de Dante

Retrato de mujer

La Abandonada

Detalle de las Tres Grac

Detalle de La juventud de Moisés

Retrato de joven con moneda

San Sebastián

Retrato de Simonetta Vespucci

Nacimiento de la Primavera

... Somewhere When the Rainbow is Enuf

Con este título tan Judy Garland quiero englobar dos películas vistas recientemente que solo tienen en común mi motivación por verlas en un mismo momento. Son los nuevos trabajos como directores de Sofia Coppola y Tyler Perry: Somewhere y For Colored Girls.

   Advertencia: lo que sigue es un análisis de una película de Sofia Coppola

Hecha la advertencia, sabemos que estamos ante una película en la que pasan muchas cosas, pero todas pasan dentro del espectador. Estamos ante una película que crea una atmósfera, un ambiente, y que bajo la aparente tranquilidad y rutina en la que se desarrollan los acontecimientos, un auténtico maremoto emocional se está agitando en el interior de los personajes. Y aunque el maremoto no parezca destruir nada de forma palpable, se manifiesta constante pero sutilmente, en esta preciosa y triste hitoria de un famosísimo actor americano que va a pasar unos días con su hija a la que apenas ve.  Pero no os asustéis, no estamos ante una de esas películas en las que padre e hija no se entienden, al principio ninguno quiere estar con el otro pero no les queda más remedio que aguantarse y poco a poco van descubriendo lo que les une, hasta que todos son felices y se quieren mucho. No, aquí padre e hija se quieren mucho, y quieren pasar tiempo juntos, pero apenas se conocen. Y Sofia Coppola ha creado un precioso cuento de hadas ambientado en su castillo particular, el legendario Chateau Marmont de Los Angeles, en el que el rey de la ciudad se encuentra solo y perdido, pero su princesa, su hija Cleo, como una aparición celestial, aparecerá en su vida pintándole un corazón en la escayola de su brazo. 

Muchas escenas parecen formar parte de un precioso sueño, de un cuento extraño en el que las cortesanas agasajan al rey con sofisticados lap dances y en el que nuestros héroes se acercan el uno al otro, llegan a entenderse mientras juegan al Guitar Hero, o ven Friends doblado al italiano en un hotel de Milán. Porque no necesitan hablar, porque en ese frágil vínculo que sin embargo une férreamente a un padre y una hija que no saben nada el uno del otro no caben las conversaciones trascendentales, eso no es real, no sucede. SPOILER de hecho es precioso y conmovedor que el momento que uno decide para sincerarse es cuando apenas tiene unos segundos antes de despedirse, y son segundos en los que el ruido lo inunda todo, a diferencia del resto de la película, que transcurre en un silencio y una calma que invita a hablar, pero en el que la mítica confesión nunca tiene lugar, la vida es así de irónica y contradictoria. FIN SPOILER. Las confesiones de sentimientos al desnudo tienen lugar de forma espontánea e inesperada, como ese conmovedor momento de angustia que sufre Cleo en el coche, al que su padre reacciona tiernamente abrazándola...y llevándola a un casino de Nevada. Pero que no suceda no quiere decir que a la película no le acompañe ese sentimiento de culpa, esa pena que siente un padre que ve a una preciosa desconocida que (parece que) no le ha necesitado para crecer. Y es entonces cuando nos damos cuenta de que este actor es el primer personaje de Coppola que, de pronto, no le tiene miedo a crecer, que en la paternidad recién encontrada se encuentra a sí mismo cuando más perdido estaba, y, haciendo monerías en la piscina con su hija tal vez piense, "qué feliz soy así". Y esta revelación va impregnándose en la película poco a poco y en todas sus escenas de una forma mágica. Entra sin querer, cuando un padre todavía ausente ve patinar a su hija al son de Gwen Stefani y queda prendado de su talento y delicadeza. Y las cuchillas de sus patines rompen el hielo (toma chascarrillo facilón), a la par que ponen en evidencia la ausencia de este hombre en la vida de su hija. 

Pero es tras ese viaje a Milán, en el que padre e hija regresan agotados a su "castillo" y se tumban en un sofá, cuando el instante de mayor magia se produce. De pronto un miembro del servicio se les acerca y se ofrece a cantarles una canción mientras toca la guitarra. Toca una preciosa versión de Teddy Bear de Elvis Presley mientras Cleo se adormece en el hombro de su padre, y se acurruca. Lo especial del momento hace que uno dude de si se ha soñado o es real, y de pronto el hombre más solitario de este mundo conoce el contacto humano, el cariño de una hija, la calidez de alguien que quiere ser cuidada por ti. Ambos se quieren, se necesitan, pero no suelen tenerse. Aunque qué importa eso en ese momento, están juntos y escuchan a Elvis.

Muchos son los que odian a Sofia Coppola y su estilo, se quejan de que no pase nada en sus películas y de que hace siempre lo mismo. Con respecto a lo primero, considero que en sus obras no deja nunca de suceder algo, en cada escena nuevos sentimientos afloran en unos personajes que no dejan de desarrollarse a medida que les vamos conociendo, pero el cine de Coppola es sutil y delicado, es muy inteligente. Es un cine que nos emociona cuando sus dos protagonistas simplemente están probando helados en la cama de un hotel. Que resume la vida de un personaje durante una prueba de maquillaje. Y sí, de nuevo lo que centra su película es la soledad que sentimos cuando estamos perdidos en nuestra vida, cuando lo que creíamos que queríamos no nos hace felices. Y de cómo en ese momento confuso de la vida siempre hay algo a lo que agarrarnos, que nos impulsa y da valor para avanzar. Pero bueno, Scorsese llevará su centésima película sobre mafias y/o violencia y seguirá siendo un genio, porque en cada película aporta algo nuevo. Igual le pasa a la Coppola, que en esta, a mi modo de ver su película más poética y probablemente también la más luminosa y melancólica, nos regala un profundo viaje a la recuperación de la paternidad, a la fe en las segundas posibilidades en la vida. Y todo gracias a un guión espléndido  en su sutileza y delicadeza, gracias a las habitaciones, pasillos, jardines y balcones del Chateau Marmont, que es un gusto conocer de la mano de esta fantástica directora, no podría existir mejor lugar para ubicar la película; gracias a, de nuevo, la mejor y más coherente selección musical que soñarse pueda; y gracias a las preciosas creaciones de Stephen Dorff y Elle Fanning, ambos increíbles, en dos interpretaciones desnudas, llenas de sentimiento. Somewhere es una película maravillosa, que te rompe el corazón, pero que te hace pensar que tal vez, en algún lugar en medio de ese desierto, el hombre del Ferrari negro ha encontrado su hogar.

Por otro lado For Colored Girls de Tyler Perry es a todas luces una película fallida. Y es una pena, porque es el errático resultado de una premisa muy valiente, como es llevar a la pantalla el texto teatral de Ntozake Shange. Pero, por muy valiente que sea la traslación al cine de una obra así, la forma de hacerlo se queda en lo fácil y seguro la mayoría de las veces, centrándose en el tremendismo de los brutales dramas que viven las mujeres protagonistas, a sabiendas de que eso estremecerá sin duda al patio de butacas. Sin embargo, la obra, a pesar de todo, deja luz para la esperanza y el optimismo, además de tratar la problemática de esas mujeres de una forma menos superficial y menos plagada de clichés; así como la musicalidad, que es esencial en el texto original.

Pero no todo son pegas en la curiosa película de Tyler Perry. Lo cierto es que muchos de los monólogos están resueltos con solvencia, y destaca en todo momento el uso del color de estas colored girls. Y ya solo el descubrimiento del texto merece la pena, un texto muy sensorial con más reminiscencias poéticas y musicales que teatrales, y eso hace que la película tenga un componente exótico que la hace única. Y a ello ayuda el selecto grupo de actrices convocadas para dar vida a sus protagonistas, conjunto en el que no todas brillan con la misma intensidad. Anika Noni Rose, la mujer de amarillo está espectacular y su forma de llevar la transición de su personaje, el brutal cambio que se produce en su vida es muy impactante para el espectador, no parece la misma persona al principio que al final de la película. Y su monólogo en el hospital es conmovedor. Aunque creo que para transformación la de una maravillosa y bellísima Tessa Thompson, la  mujer púrpura, tan inocente y luminosa, pero también sacudida por la tragedia. Puede que sea mi favorita. Su monólogo es también de gran belleza, y ella le saca mucho partido. Phylicia Rashad como Gilda es un prodigio a la hora de encarnar el remanso de paz que es su personaje, sus miradas a Thandie Newton lo dicen todo. Ésta resultará más divisiva entre los espectadores, así como su madre en la ficción Whoopi Goldberg, pues son personajes más explosivos, pero así como en Thandie Newton a mí me funciona, y no creo que sus gritos maten toda la frustración y fragilidad de su personaje, en Goldberg hay algo que me chirría más, y no es que esté acostumbrado a verla más en comedia, no sé, hay algo postizo en su actuación. Kimberly Elise y Loretta Devine han sido dos descubrimientos de lo que son capaces de hacer estas dos mujeres. Increíbles creaciones las de sus personajes, me gusta verlas en paralelo, porque mientras la primera es la encarnación de la tristeza, de la mujer a la que siempre le faltará algo que la complete para ser feliz, que tiene un vacío enorme en su interior y que vive presa del miedo, Loretta Devine es, independientemente de los disgustos que se ve obligada a soportar; un rayo de luz, el optimismo, la vitalidad e iniciativa, sin dejar por ello de ser conmovedora en su fuerza reflexiva. Janet Jackson, habitual del director, compone un personaje de alta ejecutiva que es totalmente caricaturesco y plano, pero sorprendentemente en su desgarrador monólogo final está espléndida y perfectamente matizada. Y a Kerry Washington, mi actriz favorita del grupo, le toca en desgracia probablemente el personaje menos agradecido e interesante, pero que ella solventa con su profesionalidad habitual, enriqueciéndolo en cada escena, dotándolo de una bella sensibilidad. 

Ellas son las estrellas de la función, están magníficas, Elise, Rashad, Noni Rose, Devine y Thompson, sobre todo. Y como he dicho antes el tratamiento del color, aunque podría haberse llevado más lejos, es muy hermoso, así como  la sensorialidad que parece intentar evocar, aunque se quede a medio gas.  No es suficiente. En general no es suficiente porque aunque se intuya una belleza muy inusual y refrescante en el texto, aunque el reparto esté deslumbrante y en muchos momentos seamos conscientes por la fuerza de uno y otras de que esto bien llevado hubiera emocionado de una forma nunca antes vista, no está bien llevado, y muchas veces se queda en la superficie de las palabras, en muchas ocasiones da la impresión de que tanto el Tyler Perry director como el Tyler Perry guionista no han entendido bien a estas, por otro lado fascinantes mujeres, y el acercamiento a la obra de Shange ha sido muy superficial, sin captar el color, la música y toda la vida que impregnan sus palabras. Eso sí, el cartel de la película es precioso.